Scrivere di Cinema

FLAGS OF OUR FATHERS (di Clint Eastwood, 2006)

2009-05-20T11:50:00.001+02:00

Tre nomi, tre garanzie di qualità. Su questo, pochi dubbi. Clint Eastwood ritorna alla regia dopo due capolavori come "Mystic River" e "Million Dollar Baby"; Paul Haggis torna alla sceneggiatura dopo aver diretto il bellissimo "Crash" e dopo aver sceneggiato alla grandissima Million Dollar Baby; Steven Spielberg produce ancora dopo aver diretto il bellissimo "Munich" . Cosa può uscirne fuori se non un grande film? Si tratta di "Flags of our Fathers", uno dei film più attesi della nuova stagione. Tratto dal romanzo Flags of Our Fathers: Heroes of Iwo Jima di James Bradley e Ron Powers, il film narra la storia dei sei soldati americani che sollevarono la bandiera americana a Iwo Jima, quando la Seconda Guerra Mondiale stava per concludersi, dal punto di vista di Bradley, il figlio di uno dei sei soldati. Nel cast tutti attori giovanissimi: Ryan Phillippe (attore in Crash di Haggis, tra l'altro), Jesse Bradford , Adam Beach, Paul Walker e Jamie Bell. Una delle battaglie più cruente della seconda guerra mondiale ricordata dal mondo per quell'immagine che vede sei soldati issare un pennone con la bandiera a stelle e strisce. Era solo il quinto giorno di una battaglia che sarebbe durata più di un mese quando un gruppo di soldati venne incaricato di issare quella bandiera.

Non un segno di vittoria, e nemmeno una foto originale, solo un piccolo passo verso la conquista dell'isola, ma che agli occhi di chi stava combattendo la guerra da casa propria, con l'arma della propaganda e del denaro, divenne un regalo della provvidenza. Non ha importanza, non l'ha avuta ai tempi, almeno, che l'immagine non fosse stata scattata a battaglia ormai vinta; che per evitare che la bandiera originale finisse nelle mani di un politico in visita sull'isola un comandante avesse deciso di fare sostituire il drappo originale, da alcuni soldati, poi ritratti nella foto e venduti al mondo come eroi. Nessuna importanza, per i burattinai, che i nomi dei soldati ritratti nella foto non fossero quelli esatti e che i tre sopravvissuti, interpretati da Ryan Philippe, Jesse Bradford e Adam Beach, avessero più che una remora nell'ingannare l'America e la memoria dei loro commilitoni. 'Flags of our Fathers' è tutto questo, raccontato con lo stile di Eastwood, e con un ricorso quasi maniacale al salto temporale, il passato, il presente e il futuro dei tre protagonisti si alterna sullo schermo e dà origine a un film che non lesina certo scene forti o di battaglia, ma che vive soprattutto raccontando le vite dei tre soldati, il percorso che li ha portati alla guerra e quello successivo al ritorno in patria. Che sia un altro Oscar per il coraggioso Clint Eastwood? Ce lo auguriamo a questo punto...

Giudizio: (legenda).

Battista Passiatore, 30 novembre 2006.

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Dopo due anni dallo splendido “Million Dollar Baby”, Clint Eastwood torna alla regia di un film. La pellicola, ancora una volta sceneggiata da Paul Haggis, si basa sulla famosa foto scattata nel febbraio 1945 che ritraeva 6 soldati americani nell’atto di piantare la bandiera degli Stati Uniti d’America sulla cima del monte Suribachi, sfondo della sanguinosa battaglia di Iwo Jima durante la seconda guerra mondiale. Lo spunto del regista californiano è di sicuro molto interessante: così come allora anche oggi durante una guerra, il primo obiettivo delle due parti è non solo prevalere sull’avversario, ma anche semplicemente far crederlo di riuscirci. Quella foto infatti scattata solo nei primi giorni di quella che sarebbe stata una battaglia cruenta venne sfruttata dagli americani come base di una propaganda mirata a finanziare la campagna militare americana.

La storia di tre degli uomini che installarono la celebre bandiera (o presunti tali) costituisce il fulcro principale del film. Essi, loro malgrado, diventeranno eroi in patria, nonostante sappiano di aver combattuto semplicemente per la propria sopravvivenza. Ed è proprio la contraddizione che vivono i personaggi uno dei temi più interessanti sviluppati da Eastwood. I tre, infatti, non solo devono sopportare un profondo turbamento interiore sentendosi non all’altezza dell’importanza conferitagli, ma sono anche costretti a fare da manifesto alla campagna militare e ad effettuare veri e propri spettacoli celebrativi. Una nota particolare la merita la colonna sonora, questa infatti composta dallo stesso Eastwood (così come avveniva anche in “Million Dollar Baby”), riesce ad essere nella sua estrema semplicità, molto efficace nel suo intento di accompagnare le immagini senza sovrastarle, difetto riscontrabile in parecchi film. Piuttosto convincenti le recitazioni, seppur senza alcuno spicco; eccellente invece la regia anche se la prima parte, costituita dalla battaglia fra i soldati americani e quelli giapponesi sull’isola di Iwo Jima, non riesce ad essere emotivamente coinvolgente quanto ad esempio l’inizio di “Salvate il soldato Ryan” di Spielberg (tra i produttori di “Flags of our fathers”) che ritraeva lo sbarco in Normandia con un realismo assolutamente inavvicinabile. “Flags of our fathers” è un film meritevole e degno di lode, nonostante ciò ci si poteva aspettare qualcosa in più dalla coppia Eastwood-Haggis (vincitori degli ultimi due premi Oscar per i propri film); infatti l’opera non riesce a raggiungere gli altissimi livelli di “Million Dollar Baby” e “Crash”.

Giudizio: (legenda).

Salvatore Scarpato, 13 gennaio 2007.

FASCISTI SU MARTE (di Corrado Guzzanti, 2006)

2009-05-20T11:49:00.001+02:00

"UN LUNGO MONOLOGO" - L'ambizioso film di Corrado Guzzanti parte da un'idea brillante: la colonizzazione durante l'impero fascista del Pianeta Rosso da parte di un manipolo di squinternati e "italici" soldati capitanati dal gerarca Barbagli (Guzzanti stesso). I primi venti minuti sono divertenti e presentano delle trovate interessanti ironizzando in maniera quasi spietata sull'ideologia fascista. Il problema è che Guzzanti ha voluto trarre da questa esile trama un lungometraggio e così le avventure dei nostri eroi diventano ben presto ripetitive col film che si trasforma sempre di più in un monologo di Guzzanti, indubbiamente grande mattatore, ma certo incapace di poter reggere da solo un intero film. Alcune trovate, come il mezzobusto di Mussolini cui Barbagli si rivolge in cerca di consiglio, oppure la Madonna del Manganello sono esilaranti, ma da sole non bastano a reggere quasi due ore di film. Da stendere invece un velo pietoso sull'intermezzo della amazzoni aliene. Il pregio principale è quello di proporre un importante operazione filologica sui motti fascisti, sdrammatizzando quelle assurdità proprie dell'ideologia Mussoliniana. Però una domanda sorge spontanea: se ne sentiva poi questo gran bisogno?

Luca Balsamo, 2 dicembre 2006.

ERAGON (di Stefen Fangmeier, 2006)

2009-05-20T11:36:00.002+02:00

Un po’ Dragonheart, un po’ Il signore degli Anelli, un po’ Harry Potter il nuovo fantasy natalizio adattato da un romanzo già collaudato a sufficienza negli ultimi due anni. Peccato che qui non ci siano la gigioneria di Dennis Quaid, né i costumi di Ngila Dickson, né la sceneggiatura di Peter Jackson, ma solo un giovane attore che di promettente ha solo la faccia (un po’ più espressiva, diciamolo, di Daniel Radcliffe – Harry Potter), un costumista che veste gli abitanti delle città degli elfi come pittoreschi contadini tibetani e uno sceneggiatore che passa da battute come “Tu sei fatta per la guerra” alle poetiche rime “In cielo per la gloria, morte o la vittoria!”. Nemmeno gli effetti digitali salvano un film che del libro ha a malapena il titolo (per quanto nemmeno il libro sia un capolavoro), perché, come già ci ha insegnato il flop di Tristano e Isotta, non bastano sangue e battaglie per fare cinema. Il regista sembra non aver imparato niente dal suo lavoro alla Industrial Light & Magic di Lucas, né (purtroppo) dai precedenti più o meno validi, e probabilmente non ha messo a fuoco i punti focali della narrazione, che procede secondo un ritmo che più lineare non si può e che lascia a tratti più divertiti che emozionati: la storia ormai rifritta (e l’autore del libro, Cristopher Paolini, lo sa bene) del piccolo eroe pronto a guidare le forze del Bene contro il Male, stavolta rappresentato – sorpresa – da un re crudele (un povero John Malkovich), si snoda anche con troppa tranquillità, alternando scene di battaglia goffamente girate a dialoghi poveri e prevedibili. Eragon (l’esordiente dal bel faccino Ed Speelers) si ritrova per caso sul groppone il drago femmina Saphira (orrendamente doppiato da Ilaria d’Amico), e deve assolvere l’ingrato compito di guidare un esercito di ribelli male in arnese (i tibetani, ricordate?) dopo aver affrontato i proverbiali dieci minuti di addestramento con l’ex cavaliere dei draghi Brom (un malinconico Jeremy Irons che, se proprio voleva fare un fantasy, se ne meritava uno un po’ più valido). Non manca neppure la donzella da salvare: la principessa degli elfi (ma il film non lo dice) Arya, interpretata da Sienna Guillory (vestita da un costumista che la fa sembrare più Pocahontas che un elfo), presa prigioniera dal perfido spettro Durza (Robert Carlyle), che la tiene segregata fra le mura quadrate di una fortezza non meglio identificata. Segue la battaglia finale, che per com’è girata sembra una rissa da taverna con contorno di duello fra draghi e guarigione miracolosa della buona (e poco credibile) Saphira.

La Century Fox ha comprato i diritti per l’intera trilogia di Paolini. Che sia una minaccia?

Giudizio: (legenda).

di Chiara Palladino, 1 gennaio 2007.

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Fantasy, fantasy e ancora fantasy ... forse è il momento di darsi decisamente una calmata. Dopo i trionfi planetari della trilogia "Il signore degli anelli", di "Harry Potter" e del recente "Le cronache di Narnia" valeva proprio la pena portare sullo schermo il primo libro del giovanissimo (classe 1983) scrittore americano Christopher Paolini ?...Forse no. La storia racconta di Eragon, un giovane e intraprendente ragazzo che trova un uovo di drago appartenente al perfido Re di Algaesia, Galbatorix, e scopre di essere l'ultimo cavaliere di draghi esistente. Assieme col maestro Brom, cominceranno la lunga lotta per la maledizione del regno. Il solito immaginario fatto di di cavalieri, magie e draghi mistici, che si prepara alla definitiva conquista del mondo. Un'avventura fantastica diretta dall'esordiente Stefen Fangmeier (curatore di effetti speciali) che è, ovviamente, anche un romanzo di formazione, per un adattamento attesissimo dai milioni di fan mondiali, ma che probabilmente li lascerà delusi per la mancanza di vera avventura e magia, non riuscendo ad appassionare come vorrebbe e potrebbe. Tutte cose già sentite, di solito in meglio. Altalenanti le prove degli attori: inespressivo il protagonista Speelers, stoico Jeremy Irons nel recitare dialoghi non proprio scespiriani, un po' sprecati John Malkovich e Sienna Guillory (che ha fascino degno di ben altro). Per il resto solita incursione fantasy (poco emozionante) sul grande schermo; il film in se per sè non è brutto, anzi è un bel vedere agli occhi (anche per le sinuose scenografie) ma il problema è semmai il coinvolgimento emotivo dello spettatore che rimane quanto meno deluso da una trasposizione così asfittica e piatta.

Giudizio: (legenda).

di Battista Passiatore, 10 gennaio 2007.

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E' sempre un dispiacere notare come la gente tenda a porre le cose sullo stesso piano non in base a un preciso metro di giudizio ma a seconda del genere di appartenenza: siccome Eragon è un fantasy allora bisogna dire che è come Il Signore degli Anelli e le Cronache di Narnia. Bugia. Nel caso di Eragon ci troviamo di fronte a un mediocre filmetto dalla pochezza imbarazzante, con personaggi che già definire "bidimensionali" sarebbe un eufemismo, e uno sviluppo narrativo quasi inesistente. Non c'è nulla della raffinata erudizione filologica di Tolkien o dell'allegorismo cristologico di Lewis, e secoli sembrano passati dall'evoluzione di una filmografia fantasy finalmente "matura": il lavoro tratto dal giovane Christopher Paolini è stato preparato in fretta e furia per dare un nuovo film agli affamati di fantasy facile. La storia è classica: il solito ragazzo di padre ignoto, sfortunato ma bravo, trova un oggetto magico strapotente, in questo caso un uovo dal quale uscirà un drago. Avrà la casa assalita da misteriosi mostri mutanti, ma lui troverà aiuto in una persona saggia (Jeremy Irons, che ormai è egli stesso garanzia di fiasco, del resto come non ricordare il suo contributo del terrificante Dungeons & Dragons?), che non è quel che sembra ma un cavaliere dei draghi decaduto. Il giovane quindi comincerà un viaggio che lo condurrà a scoprire il suo destino e a salvare una principessa elfica (elfica fino a un certo punto, visto che nel finale del film la conciano da squaw pellerossa con tanto di piuma in testa e accompagnata da tre barbuti Re Magi) tenuta prigioniera da un pericoloso negromante. Jeremy Irons ricicla il suo personaggio dagli occhi languidi ma volitivi, ben accompagnato dal mefistofelico John Malkovich che appare per circa un minuto in tutto il film, insomma il tempo necessario per pagarsi le bollette fino al prossimo kolossal miliardario. Spiace vedere due grandi attori ridotti da anni al minimo sindacale per facili guadagni, ma spiace ancora di più constatare la sorprendente superficialità del tutto, l'approssimazione della produzione, i buchi narrativi e le incongruenze, le frasi a effetto (che vorrebbero essere memorabili), una battaglia finale piena di scadenti effetti speciali, attaccata là con lo sputo. La regia è inesistente, si limita a muovere gli attori e a riprendere bei panorami, che alla fine sono la cosa che si lascia guardare con più soddisfazione. Non si riesce a tifare realmente né per i buoni né per i cattivi, tanto insulsi appaiono i vari personaggi, e si prova davvero fastidio quando si vede che tra gli eroi "buoni" del rifugio segreto ci siano anche un nero e sua figlia, a cui viene offerta anche una battuta giusto per essere politicamente corretti. Non esito a preferire di gran lunga film infantili ma godibili come Dragonheart o ridicolaggini conclamate come il Re Scorpione che almeno sono volutamente parodiche. Il drago? Realizzato bene, ma in Italia drammaticamente doppiato da Ilaria D'Amico (presentatrice della domenica calcistica su Sky). Insomma, se questo è il primo capitolo di una trilogia, si può sperare possano solo migliorare.

Giudizio: (legenda).

di Paolo Nardi, 15 gennaio 2007.

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"NON CI RESTA CHE PIANGERE" - Dalla penna dello scrittore americano Cristopher Paolini nasce il primo capitolo della trilogia dell’Eredità dedicata alle avventure del diciassettenne Eragon e della sua draghessa Saphira.

In un mondo fantastico in cui l’ordine dei cavalieri dei draghi ormai non esiste più,l’ultima speranza è affidata al giovane cacciatore(interpretato dall’emergente Ed Speelers,dal viso acqua e sapone ma abbastanza credibile nel ruolo) che,aiutato dal saggio Brom(un triste Jeremy Irons a cui è riservato un breve ma importante ruolo),cercherà di proteggere se stesso e Saphira,cui è legato moralmente e fisicamente,dalla perfidia di Durza.

La storia si sviluppa senza troppe complicazioni,è molto semplice forse perché adatta anche e soprattutto ad un pubblico giovane.tanto che si ha la sensazione che molti dialoghi siano trattati frettolosamente e banalmente solo con l’intento di giungere alle scene più emozionanti e ricche d’azione. Lo schermo però è praticamente tutto riservato al protagonista e al suo drago perché i personaggi di contorno alla trama sono mostrati raramente,persino il malvagio Durza, i cui sotterfugi non sono ben chiari, o l’elfo Arya, a cui è palesemente riservata la parte di bella di turno.

Mi auguro che i prossimi capitoli possano portare delucidazioni riguardo alla funzionalità di molti personaggi di passaggio,come ad esempio quello interpretato da John Malkovich,un sorta di secondo cattivone. Molte le similarità,copiate malissimo,da pellicole come Harry Potter,Dragonheart o il Signore degli Anelli,anche se temo che Cristopher Paolini non raggiungerà mai la popolarità di Tolkien. Come se non bastasse,una nota negativa va anche al doppiaggio italiano della draghessa Saphira:non si trovava di meglio visto che i doppiatori italiani sono tra i più bravi al mondo?

Giudizio: (legenda).

di Pamela Garbin, 1 dicembre 2007.

DOPO IL MATRIMONIO (di Susanne Bier, 2006)

2009-05-20T11:35:00.001+02:00

“INTIMO” - Niente a che fare con vecchi stereotipi nordici. Questo film, della eccellente regista danese Susanne Bier, ha ben poco di freddo e si caratterizza per una buona dose di tensione presente nei rapporti tra i protagonisti. Dopo il matrimonio si apre e si chiude in India, là dove un uomo danese si è rifugiato dall'odiato ricco mondo per scegliere di aiutare con tutto sé stesso i poverissimi bambini di Bombay. Ma Jacob dovrà tornare a Copenaghen allettato da una ricca offerta di beneficenza fatta da un miliardario danese (Jørgen).

Dietro a questa strabiliante offerta di beneficenza verso i bambini indiani, si nascondono in realtà segreti inconfessati, una figlia che non conosce il proprio padre, un uomo che non vuol far sapere della sua malattia e una donna che a sua insaputa si troverà in mezzo ai due uomini che ha amato: suo marito e il padre di sua figlia.

Susanne Bier punta molto sui dettagli; gli occhi si ritrovano lungo tutte le due ore di pellicola. Occhi di uomini, occhi di donne e persino occhi di cervi imbalsamati. Un’ossessione che scorre via leggera, non risulta affatto ridondante ed è ottimamente inserita nell’evolversi dell’intreccio.

Non mancano neppure colpi di scena in questo film, del quale non si possono non apprezzare i colori (sia in India che in Danimarca, negli esterni come negli interni) e gli interpreti, soprattutto i due veri protagonisti della pellicola di Susanne Bier: Mads Mikkelsen (il tormentato e diviso Jacob) e Rolf Lassgård (il ricco, quasi alcolizzato, ma…in fondo generoso Jørgen). L’inizio è lieve e appassionato, proseguendo si fa più complesso, difficoltoso e intimo.

Tutto nasce dopo il matrimonio…

Giudizio: (legenda).

di Matteo Bursi, 16 gennaio 2007.

DIARIO DI UNO SCANDALO (di Richard Eyre, 2006)

2009-05-20T11:34:00.001+02:00

Diciamolo subito: Diario di uno scandalo poteva essere uno dei migliori film di questa stagione cinematografica, che pure vanta notevoli titoli. Aveva tutti i numeri giusti: due attrici straordinarie, una storia coinvolgente e originale, personaggi torbidi e ben tratteggiati, un regista che aveva già dimostrato la sua bravura in film come Stage beauty.

Non è stato un fallimento completo, anzi. Ma di certo Diario di uno scandalo avrebbe potuto essere un capolavoro, e il signor Eyre si è giocato questa possibilità: assoldando un compositore come Philip Glass (Identità violate) che non ha saputo fare il suo lavoro, prima di tutto, e che ci ha ricordato come una colonna sonora sia fondamentale per un film. Alzi la mano chi, guardando Diario di uno scandalo, non ha pensato neanche una volta che per musicare quelle sottili atmosfere emotive non ci voleva un genio come Howard Shore.

E bisogna dire che nemmeno la regia è stata all’altezza. Incapace di seguire bene le interpretazioni, quelle davvero straordinarie, di Dench e Blanchett, Eyre non raggiunge i vertici di bravura di Stage beauty, e il perché è un mistero. Forse la storia non gli piaceva, non gli calzava bene. Ma è strano, visto che, dati i precedenti, sembra proprio adatta a lui. Un’anziana professoressa che sviluppa un attaccamento ossessivo nei confronti della collega più giovane, e spaventata dalla solitudine al punto da ricattare la donna per ottenere da lei attenzione. Non mancava niente, nemmeno la pedofilia. Eppure una regia che avrebbe potuto essere migliore e una sceneggiatura non mediocre, ma pur sempre abbastanza banale, rendono Diario di uno scandalo una prestazione inferiore a quello che avrebbe potuto essere.

Tuttavia, come ho già detto, non è stato un fallimento totale. Perché i personaggi e i temi trattati erano troppo belli, troppo interessanti per rendere brutto il film. La professoressa Barbara (Dench, da brivido) incarna alla perfezione la solitudine del nostro tempo e il pericolo (reale) della pazzia a cui essa può costringere ciascuno di noi. E il personaggio straordinario di Sheba (Blanchett, perfetta nel ruolo) pone al centro della nostra riflessione temi bollenti come il decadimento della famiglia e la depressione, nonché la fragilità dell’individuo, che davvero conduce ad azioni impensabili. Meritatamente candidate entrambe le attrici per gli oscar 2007, buone le prestazioni degli altri attori (Bill Nighy in testa) e ottimo il finale che riscatta quasi in pieno i limiti della regia e della colonna sonora, e rende comunque Diario di uno scandalo un film da vedere.

Giudizio: (legenda).

di Chiara Palladino, 13 marzo 2007.

CUORI (di Alain Resnais, 2006).

2009-05-20T11:32:00.001+02:00

"LA NEVE CADE TENUE SUI CUORI" - La neve accompagna lo spettatore lungo tutto il nuovo film di Alain Resnais. Sei persone si vengono a trovare sole. L'occhio indiscreto dell'autore diHiroshima mon amour viaggia all'interno dei cuori e delle situazioni di questi sei personaggi protagonisti. Tutto il film è come un prolungato zoom all'interno dei sentimenti di quei tre uomini e di quelle tre donne. Non c'è una grossa evoluzione dall'inizio del lungometraggio al termine, è uno spaccato delle sei esistenze all'interno di una Parigi perennemente baciata dalla neve.

Ogni cambio di situazione è sottolineata da dissolvenze segnate dalla neve che cade tenue sopra i personaggi. I loro cuori, veri protagonisti di quest'opera francese, non sono freddi ma la solitudine dei sei si manifesta nell'incapacità di proporsi al meglio, causa fraintendimenti, incomprensioni, difficoltà, al mondo esterno. Su tutte spicca l'incompleta essenza di Gaelle, giovane ragazza parigina che colleziona sfortunati appuntamenti al buio, sui quali puntava molto per raggiungere una felicità compromessa. Il rifugio domestico di Gaelle e del fratello Thierry risulta il vero centro di questa incompleta felicità dei sei cuori francesi raccontati da Resnais. La fotografia ottimamente eseguita sottolinea le grosse performance degli attori (Arditi, Dussolier e Azèma su tutti) tra le quali convince anche l'intensa interpretazione oltralpe di Laura Morante. La neve cade tenue ed incessante sui cuori della Parigi contemporanea.

Giudizio: ½ (legenda).

di Matteo Bursi, 3 gennaio 2007.

COMMEDIASEXI (di Alessandro D'Alatri, 2006).

2009-05-20T11:31:00.000+02:00

Oltre ai consueti "panettoni" natalizi della coppia (scoppiata) Boldi-De Sica, quest'anno la novità è rappresentata dal "cinepandoro" (termine voluto dal regista per distinzione) firmato Alessandro D'Alatri. Dopo i notevoli successi in compagnia de l'attore-scrittore Fabio Volo ("Casomai" e "La Febbre"), il regista con "Commediasexi", ripropone il suo genere cioè la commedia popolare che, per certi versi richiama l'antica commedia all'italiana degli anni '60, infarcita di attuali tematiche sociali e politiche proposte all'interno del contenitore televisivo; non a caso i suoi 2 protagonisti provengono dal piccolo schermo (Paolo Bonolis ed Elena Santarelli). Accanto a loro tanti grandi attori, a cominciare da Sergio Rubini, Rocco Papaleo, Margherita Buy, Michele Placido e Stefania Rocca. Sullo sfondo di una Roma caotica, capitale della politica e dello spettacolo si intrecciano le storie di un onorevole, della sua consolidata famiglia e della sua giovane amante alle prese con il mondo dello show-biz; a rompere gli equilibri sarà la figura del tranquillo autista personale dell'onorevole.....C'è da dire che la vera sopresa del film, peraltro godibile e divertente, che sicuramente darà del filo da torcere ai due diretti avversari (Boldi e De Sica), è il protagonista Paolo Bonolis; alla sua prima volta sul Grande schermo si conferma un bravo caratterista, certo richiama molto la recitazione cinica e romanesca del grande Alberto Sordi, ma sa mettere in atto alcune doti espressive molto originali. D'Alatri sfrutta al meglio le sue capacità registiche distinguendosi subito per eleganza, raffinetezza e confenziona una brillante commedia, specchio riflettente dell'attuale società italiana, da offrire e proporre agli amici e parenti sulla tavola natalizia.

di Battista Passiatore, 19 dicembre 2006.

CASINO ROYALE (di Martin Campbell, 2006)

2009-04-19T19:51:00.003+02:00

L'agente segreto più famoso al mondo con la licenza di uccidere, torna sul Grande schermo, con una storia che ci riporta alle origini della Saga di spionaggio più famosa nel mondo del cinema "Casino Royale". Ma cerchiamo di riordinare il tutto: il James Bond degli ultimi tempi, diciamolo era diventato un po' troppo anzianotto per i gusti dei "Bondiani doc"; infatti, aveva, nell'ultimo episodio uscito nel 2002, "La morte può attendere", l'età di un uomo maturo. Pierce Brosnan, all'epoca aveva poco meno che 50 anni. Farlo ringiovanire dimezzandogli quasi l'età ha indicato il desiderio dei produttori di ricercare oggi un pubblico più giovane, stravolgendo completamente il clichè precedenti. E' stata comunque un'ottima idea: ne hanno beneficiato quasi tutti! Dal cast alla sceneggiatura (del premio Oscar Paul Haggis), dalle scenografie agli effetti speciali (qui ulteriormente ridotti) ai famosi gadget costruiti da Q (qui inesistenti). Il dato più convincente risulta essere proprio il volto nuovo di James Bond; il biondo Daniel Craig (contestatissimo all'inizio dai fans) spiazza tutti con un James Bond (alla conquista dei suoi due "00") decisamente differente dalle interpretazioni dei suoi predecessori; un fisico sorpredente, due occhi di ghiaccio, atteggiamenti da killer, rude, spietato, anticonvenzionale, diffidente di tutto e tutti. Ma "Casino Royale" è il 21esimo della serie, debutto assoluto per Daniel Craig nei panni di Bond, e di Eva Green come Bond-Girl; il film si basa sul primo romanzo di Ian Fleming, padre dell'elegante ma pericoloso agente segreto britannico.

Casino Royale introduce James Bond prima che gli fosse concessa la licenza di uccidere. Anche così Bond è comunque pericoloso e durante il film, il suo stato viene elevato a "00". Dal canto suo il regista Martin Campbell ("Goldeneye"), è riuscito con successo a svecchiare la serie, rendendola meno patinata e ridondante, svilendo il celebre "aplomb" di Bond, per farlo competere con agenti segreti più tosti, ruvidi e "sporchi" (gente come Jason Bourne/Matt Damon o xXx/Vin Diesel). Infine un enorme contributo "made in italy" sia per alcune scene ambientate a Venezia, sia per la partecipazione straordinaria del grandissimo Giarcarlo Giannini, di Caterina Murino e del romano Claudio Santamaria (Carlos) che sfida Bond a colpi di arti marziali in uno degli inseguimenti più spettacolari del film. Un personaggio quello di 007, quasi "rinato", più attento all'attualità (fra terrorismo e intrighi finanziari), che inaugura il 2007 scintillando al box office! L'unica speranza ( e qui lo dico da "bondiano doc") è che a partire dal prossimo episodio (titolo provvisorio "Risico" sempre con Daniel Craig) non finisca per appiattirsi sugli stereotipi della serie (com'è successo nelle ultime avventure di Pierce Brosnan, piene zeppe di effetti speciali di situazioni prevedibili e ripetitive). Speriamo.

Giudizio: (legenda).

di Battista Passiatore, 10 gennaio 2007.

CARS (di John Lasseter, 2006)

2009-04-19T19:46:00.001+02:00

La Pixar che ormai da anni sforna capolavori dell'animazione, questa volta si è concentrata sul mondo delle automobili e il risultato è quantomeno apprezzabile.

"Cars" narra di un’auto da corsa: Saetta McQueen che in viaggio verso la California rimane bloccata a Radiator Springs. Qui conoscerà l'umiltà, l'amicizia e l'amore. Venendo da film davvero straordinari quali "Mosters and co.", "Alla ricerca di Nemo", "Toy Story", "Gli Incredibili", tutti: critici e pubblico, si aspettavano molto dalla nuova pellicola pixar; e in parte le aspettative sono state deluse; ma solo in parte. Infatti al film di certo non mancano sprazzi di umorismo e di divertimento ed altri di belle emozioni.

In "Cars" infatti le auto riescono a prendere vita ed ad avere una propria personalità e le vicende inoltre a non apparire troppo scontate cosa che non sempre riesce nei film di animazione.

Giudizio: (legenda).

di Salvatore Scarpato. 15 Gennaio 2007.

BOBBY (di Emilio Estevez, 2006)

2009-04-19T19:44:00.008+02:00

"DOLCE RICOSTRUZIONE DEL SOGNO SPEZZATO" - E’ una delle pagine nere della storia d’America. Gli Stati Uniti avevano già perso JFK e Martin Luther King. Il sogno si spezzò quando Robert F.Kennedy venne ucciso il 6 giugno 1968 all’hotel Ambassador di Los Angeles. Emilio Estevez, alla sua prima grande regia (è anche attore nel film), affronta con coraggio l’assassinio del senatore in cui gli States riponevano le proprie speranze per un futuro migliore. Per il regista newyorchese, figlio di Martin Sheen (che recita nel film), si trattava di un’impresa dura. L’ha affrontata con coraggio e la sua carrellata di ventidue vite da immortalare all’hotel della tragedia si può considerare riuscita in pieno. Non è una biografia, è uno spaccato delle ultime ore della vita di Robert Kennedy (ma per tutto il film sarà per tutti Bobby) visto attraverso gli uomini, le donne, gli eventi, le speranze e le problematiche dell’Ambassador. L’intreccio delle ventidue storie è complesso, Estevez ha però dalla sua un cast all-star che non si vedeva da un pezzo, e che aiuta lo spettatore identificando volti noti e stranoti nei molti personaggi del film. Così ci troviamo di fronte a un Anthony Hopkins portiere in pensione che non riesce a lasciare il suo posto all’hotel. Sarà proprio lui a ricevere il senatore all’Ambassador. Per non parlare di Sharon Stone in versione parrucchiera tenace-moglie tradita, una dimostrazione di forza che mancava da un po’... Demi Moore cantante in crisi di alcool, Helen Hunt aristocratica più attenta alle scarpe che al marito, Laurence Fishburne cuoco saggio alle prese con una multietnica cucina (spicca tra gli altri Freddy Rodriguez), William Macy direttore dell’albergo con una relazione extraconiugale e ancora Cristian Slater al suo ennesimo ruolo da cattivo, ma sotto sotto non lo è totalmente, Joshua Jackson maturato e perfetto politico, Elijah Wood post-Frodo che sposa una discreta Lindsay Lohan per non andare in Vietnam, Heather Graham centralinista amante del capo e come detto la famiglia Estevez: Emilio è il marito frustrato della Moore e Martin Sheen è sposato con la sofisticata Hunt.

Un puzzle difficile che riesce a risultare semplice e avvincente. Ci accompagna per tutto il film la (grande) figura di Robert Kennedy, le sue parole, i suoi discorsi, il suo volto. Non è una biografia, è un omaggio. Un omaggio multirazziale ad un sogno americano spezzato. Difficile dividere il fascino documentaristico-storico di Kennedy dall’opera di Estevez, il regista ci ha lavorato per anni e quello che ci lascia è un’opera eccellente.

Quello che Bobby rappresentava per tutti coloro che credevano in lui, rimane nel sorriso del giovane Dwayne, futuro segretario dei trasporti, all’uscita del suo primo incontro con il senatore Kennedy. Splendida la sequenza con in sottofondo Sound of Silence di Simon & Garfunkel. Emozionante!

Giudizio: (legenda).

di Matteo Bursi, 26 gennaio 2007.

BLOOD DIAMOND (di Edward Zwick, 2006)

2009-04-19T19:41:00.002+02:00

Africa. Un villaggio di povera gente, capanne di paglia, terreno sabbioso, uomini con vecchi vestiti e sandali. S., padre di famiglia, suo figlio D., che ogni mattina percorre 2 chilometri e mezzo per recarsi a scuola, sua moglie e altre due figlie più piccole. Una vita povera, poco serena a causa della costante minaccia della guerriglie, ma piena, basata sulla reciproca fiducia.

Africa. Il RUF, un gruppo che lotta contro il governo per il potere : rapisce, indottrina, arma e droga bambini anche molto piccoli per aumentare la propria forza armata. Si fa credere ai piccoli che loro facciano parte di qualcosa di importante,di giusto, di sicuro per il loro futuro e quello dell'intera nazione. Si fa credere loro che basti imbracciare un' arma per ottenere ciò che

desiderano.

Africa. H., un uomo bianco di 31 anni nato in Sud Africa e sempre vissuto in Africa, contrabbanda diamanti e armi, freddo, opportunista, conosce tutti i trucchi del mestiere e si destreggia bene in qualunque situazione precaria perchè lui conosce quel popolo, conosce quelle strade. Paesaggi bellissimi, incontaminati, verdi e rigogliosi, totalmente discordanti dai luoghi dove vive l'uomo, dai centri urbanizzati, dunque, e dai campi profughi, sterminate distese di baracche. In questi luoghi la vita umana non vale più nulla, c'è sporco, puzza di cadaveri, macerie, per gli scontri armati che sono appena finiti ma che probabilmente si ripresenteranno il giorno dopo. Tutti vogliono i diamanti, il governo, il RUF, H., tutti vogliono spremere la terra rossa africana. In mezzo al pandemonio la gente comunque vive, comunque spera, nonostante quella costante presenza di morte e paura che avvolge, in modo intermittente, le vite di tutti.

Le vite di H. e S. ad un certo punto si incontrano, a causa di un grosso diamante da 10 carati che può realizzare i loro più grandi desideri : per Hitch quello di lasciare per sempre l' Africa, per S. quello di rivedere finalmente la sua famiglia, dalla quale ha dovuto separarsi : infatti durante una improvvisa retata del RUF al villaggio egli viene portato via e costretto a lavorare nelle miniere di diamanti. Per realizzare i loro desideri dovranno lavorare insieme, Solemon sa dove ha nascosto quel diamante trovato per caso durante il suo breve periodo di schiavitù, H. è il solo che può permettergli di raggiungere vivo la miniera.

Un film avvincente, con ampio uso dell'azione, ma troppo americano, urla le cose quando potrebbero anche solo essere sussurrate, la sofferenza viene mostrata in modo talmente enfatizzato quasi come a offenderla, essa è e deve rimanere un sentimento interiore, soggettivo, dipingerla a quel modo, renderla uguale per tutti, la svilisce infinitamente.

Il regista inoltre utilizza dei cliché tipici del film americano, i quali portano la pellicola a dei crolli

intermittenti di stile : S., uomo semplice, a volte quasi stupido, ma buono, puro, totalmente estraneo a qualsiasi forma di malvagità o azione per proprio tornaconto; la presenza femminile che redime H., che gli fa ricordare di avere un cuore. Lo stesso ruolo, ma interpretato da un uomo, avrebbe alleggerito il film dei soliti passaggi melensi e commoventi.

Credo infine che non dovrebbe essere un film a dover sensibilizzare la gente, ma al contrario, dovremmo essere noi a voler conoscere quello che ci sta intorno. Ma al giorno d'oggi non è così, molte persone non si informano, molte persone devono essere stupite per interessarsi a qualcosa lontano dal loro piccolo nucleo esistenziale. Questo film avrà sicuramente portato molti alla riflessione : ciò che si vive e ciò che si ha è prezioso, tremendamente prezioso e noi troppo spesso diamo per scontato di poterci svegliare vivi ogni giorno.

Giudizio: (legenda).

di Claudia Costanza, 1 febbraio 2007.

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Edward Zwick, un misconosciuto cineasta che dopo il buon successo de "L'ultimo Samurai" con Tom Cruise, ci aveva abituati ai tipici blockbuster hollywoodiani che fanno manbassa al box-office. Tra lo stupore generale invece, il regista (e anche produttore) Zwick torna sugli schermi con "Blood Diamond", un blockbuster questo sì , capace però di unire lo spettacolo-entertainment con un bell'esempio di cinema di denuncia, impegnato socialmente-politicamente e se vogliamo eticamente, senza strafare con le intenzioni, anzi riuscendo a mantenere un certo raffinato equilibrio tra i due elementi (e non è una cosa banale e scontata; uno degli ultimi film di questa sostanza è stato il futurista "I figli degli uomini" di Alfonso Cuàron). I rischi sono sempre quelli di banalizzare e volgarizzare le tematiche da una parte e di incespicare in lunghi e noiosi "fuori onda" fatti di “nomi” e “fatti”, che rischiano di mandare a monte l'intento principale del film e cioè gli incassi al bottheghino. Blood Diamon da questo punto di vista riesce laddove un film ricco di presupposti come "Syriana" aveva fallito: abbassa, stempera con il dramma la sua potenziale carica di denuncia per incontrare una fetta di pubblico più ampia. Il film riesce a reggere gli oltre 140 minuti su cui è spalmata, non concedendo nulla o quasi al contrappunto sentimentale della vicenda (i due belli non si baciano nemmeno), e concentrandosi quasi totalmente sull'azione, sui combattimenti. Ne escono così due ore di battaglie, rappresentate al limite del realismo soft che le major consentono, e che pongono con discreta forza anzitutto il tema delle numerose guerre civili che dilaniano il continente africano, e in secondo luogo l'incresciosa situazione dell'importazione illegale di diamanti in Europa, il cui flusso di denaro va ad alimentare violenze e (come da titolo) sangue. Un'altra nota positiva infine, riguarda l'ottima forma dell'intero cast; a partire dal sempre più bravo Leonardo Di Caprio che dimostra la sua piena maturità artistica (come d'altronde aveva già fatto in parte in "The Departed"), a Djimon Hounsou ottimo comprimario (già spalla di Russel Crowe ne "Il gladiatore") per finire con una concreta e ritrovata Jennifer Connelly. Un lodevole film di ricerca e di denuncia, al quale il protagonista Di Caprio ha partecipato attivamente anche sul fronte politico-sociale.

Giudizio: ½ (legenda).

di Battista Passiatore, 4 febbraio 2007.

BLACK DHALIA (di Brian De Palma, 2006)

2009-04-19T19:40:00.003+02:00

"IL RITORNO A META' DI DE PALMA" - Il 2006 è stato l’ anno che ha segnato il ritorno di Woody Allen (Match Point) e di Pedro Almodovar (Volver): pensavo fosse anche quello di De Palma. Infatti “The black dahlia”, tratto dall’ omonimo romanzo di James Ellroy, non convince e non riesce mai a decollare del tutto. La storia, vera, descritta come l‘evento più scottante dopo la bomba atomica, si basa sul ritrovamento del corpo mutilato e tagliato perfettamente a metà di Elizabeth Short, un‘aspirante attrice, nella Hollywood anni ’40, ricostruita dallo scenografo premio oscar Dante Ferretti. L’ indagine viene affidata a due poliziotti con un passato da pugili, mr.Ice Bucky (Josh Hartnett) e mr.Fire Lee (Aaron Eckhart), che verranno pian paino risucchiati in un turbine di violenza, nuovi delitti e scomode verità. E mentre Lee, ossessionato sempre più dall’ indagine che non sembra avere vie d’ uscita, mette in pericolo la sua relazione con Kay (una Scarlett Johansson un po’ in ombra), Bucky cade nella morsa della ricca e controversa Madeleine (Hilary Swank), che sembra misteriosamente implicata nell’ omicidio.

De palma manipola con maestria sogni, paure e ossessioni dell‘antica Hollywood, ma la sua non è una regia sempre lineare. Infatti dirige con mano sicura le sequenze secondarie del film, come gli splendidi filmati in bianco e nero di un’eccezionale Black Dahlia, impersonata dalla sorpresa Mia Kirshner, mentre l‘intreccio della storia spesso si sviluppa in modo poco chiaro e comprensibile. Per quanto riguarda le interpretazioni, quelle femminili battono di gran lunga quelle maschili. Una su tutte, come già detto, spicca quella di Mia Kirshner, la vera protagonista, perfetta con quegli occhioni languidi nei panni di una insoddisfatta e malinconica Dahlia Nera.

Federica Serfilippi, 25 ottobre 2006.

BLACK BOOK (di Paul Verhoeven, 2006)

2009-04-19T19:38:00.000+02:00

Al nome di Paul Verhoeven, la prima parola che viene in mente è provocazione. Sin dai suoi primi film olandesi infatti, così come per le pellicole filmate ad Hollywood, questo regista si è caratterizzato per la sua ambiguità e il suo anticonformismo, risultando spesso, agli occhi di una certa critica vecchio stampo, irritante, volgare, erotomane, sadico, nazista.

Con Black Book Verhoeven torna in Olanda per firmare un episodio poco noto della Resistenza, durante la Seconda Guerra Mondiale: lo scandalo del film sta nel mostrare nazisti non soltanto come cattivi da fumetto, ma anche capaci di amare ed essere generosi con i propri nemici; in una parola, “buoni”. E se a questo aggiungiamo che la Resistenza si macchia di crimini analoghi ai feroci tedeschi, et voila, ecco a voi le immancabili discussioni. Ma al di là delle polemiche fini a se stesse, allo spettatore Verhoeven consegna un thriller spionistico di buona fattura, dal solido impianto narrativo e con una protagonista eccellente, Carice Van Houten, una scoperta per il pubblico internazionale, nella parte della spia infiltrata tra i tedeschi. Dall’apprendistato hollywoodiano il regista acquisisce la capacità di tenere inchiodata l’attenzione del pubblico, principalmente attraverso un montaggio mozzafiato: qua e là si intravedono cedimenti spettacolari che inevitabilmente fanno pendere il film sul versante della superficialità, a scapito della compattezza e dell’analisi storica. Ma è altresì vero che il cinema di Verhoeven sa guardare (letteralmente) più in basso degli altri, affrancando il film dalla sensazione di deja vu: quanti avrebbero osato girare una scena come quella della decolorazione dei peli pubici? Verhoeven si sporca le mani con materiali bassi per puntare in alto, e a confermarlo potremmo citare certi picchi splatter del finale, o la controversa – e a tratti insostenibile – sequenza delle umiliazioni che la protagonista deve subire dai suoi compagni a guerra finita, credendola una doppiogiochista. Un pugno allo stomaco che non lascia indifferenti, che è poi la vera mission del cinema verhoeviano, essere memorabile, esistere, nella sua incombente e viscerale drammatizzazione.

Giudizio: ½ (legenda).

di Giulio Ragni, 9 marzo 2007.

Concorso fotografico SCATTI IN RETE - Le 30 opere finaliste

2009-04-19T19:36:00.001+02:00

Domenica 19 Aprile 2009 - Il concorso fotografico online "Scatti in Rete" si avvia alla fase finale. La giuria del premio, dopo un lungo lavoro di selezione delle centinaia di opere presentate in concorso, annuncia l'elenco delle trenta fotografie finaliste. Da queste trenta saranno scelte le prime tre opere classificate. Al vincitore, tra l'altro, spetterà il privilegio di una mostra personale in una sezione apposita creata da gransito.com

001a - Prime luci sul mare - Biagio Giordano (Savona).
017c - Ti sento... - Gina Pricope (Palermo).
018a - Le ombre dell'ultimo sole - Sara Tonelli (Fano, PU).
022c - Figli della luna - Marco Zeppetella (Roma).
025a - Rossofiore - Emiliano Cribari (Rignano sull'Arno, FI).
033a - Liberi di volare - Ilaria Lanzeri (Torre Annunziata, NA).
045a - Border - Floriana D'Ammora (Castellammare di Stabia, NA).
052a - Singola goccia di rugiada - Riccardo Botta (Genova).
060c - Tramonto sul fiume Chobe - Anna Maria Pagetti (Roma).
073c - Prima o poi arriverà - Alessandro Bonvini (Reggio Emilia).
079a - Vuoti d'acqua - Debora Fabbri (Licciana Nardi, MS).
081a - La potenza - Emanuele Bonifazi (Orte, VT).
097b - La natura e la sua stella - Eugenio Grosso (Milano).
098b - Rainbow - Giulia Grisorio (Bollate, MI).
103a - Dragonfly in the city - Claudia Costanza (Castelguelfo, BO).
108c - Rapide a Kukkola (Lapponia) - Cristina Mantisi (Savona).
113a - Goodbye - Lisa Bernardini (Anzio, ROMA).
122b - Cavalletta disturbata - Marco Bissoli (Cerea, VR).
129a - Sottosopra - Claudia Pescatori (ROMA).
145c - Nel bel mezzo delle canne di bambù... - Silvia Pinna (Settimo Torinese, TO).
186a - Due - Paolo Fani (Scandicci, FI).
210a - Composizione d'autunno - Riccardo Ratini (Terni).
229b - Il mago del calcio - Gianluca Frappampina (Bra, CN).
230c - Cantone attitude - Marco Paccagnella (Treviglio, BG).
231b - Landa - Sigfrido Corradi (Roveré Veronese, VR).
255c - Nel cuore dell'autunno - Francesco Olivieri (Castelfranco Emilia, MO).
268a - Giulia. Nulla si crea, nulla si distrugge - Giovanna Bortoli (Carpi, MO).
280b - Sottobosco - Roberto Caccioppoli (Napoli).
286a - Oche selvatiche - Andrea Marcuzzo (Bibione, VE).
311b - Scaramucce in natura - Georgia Faraò (Bologna).

BABEL (di Alejandro Gonzàles Iñàrritu, 2006)

2009-04-19T15:37:00.003+02:00

Un dramma dopo l’altro, questo è “Babel” l’ultimo lavoro del regista messicano di “Amores perros” e “21 grammi - il peso dell’anima”: Alejandro Gonzàles Iñàrritu. Il titolo riprende la leggenda della torre di Babele, la torre di cui si narra nella Bibbia. Secondo questa leggenda, gli uomini, un tempo, comunicavano per mezzo di una sola lingua, e di comune accordo cominciarono a costruire una torre per raggiungere il cielo. Dio però infuriatosi per l’oltraggio recato dagli umani, decise, per punizione, di creare confusione fra le genti facendo sì che parlassero lingue diverse. In tal modo impedì che la costruzione della torre fosse portata a termine. Il titolo è dovuto all’intenzione del regista di raccontare la difficoltà che hanno gli uomini nel comunicare fra loro. La trama è divisa in tre vicende, collocate in 3 continenti diversi ma legate fra loro. Una parte è ambientata in Marocco dove due coniugi: Richard e Susan (B. Pitt e C. Blanchett) sono andati in vacanza per fuggire dalla quotidianità.

Ben presto la loro permanenza in Africa diventerà tragedia a causa di un’ incidente che coinvolgerà proprio Susan. Un’ altra parte è ambientata in America, dove una governante messicana si occupa di due bambini americani, ignorati dai genitori; infine la terza parte ha come set il Giappone dove protagonista è una adolescente sordo-muta e disturbata dopo la morte della madre. “Babel” è un film che non lascia speranza, è un film che racconta un mondo tragico all’inverosimile ed è un film estremamente ricattatorio nei confronti dello spettatore. Uno dei difetti più marcati della pellicola sono i personaggi (elemento fondamentale in un film corale come questo). Essi infatti risultano finti e soprattutto senza anima, così come senza anima è l’intera opera. Troppo comodo è trattare argomenti tragici come suicidio, incidenti, morti premature, nel tentativo di regalare facili emozioni. Anzi, il film a causa della sua superficialità è arido e freddo per quasi tutti i 135’ di pellicola.

Mal riuscito è anche il tentativo di creare una storia ad incastri, in quanto i legami fra le varie vicende sono abbastanza irrilevanti nell’analisi complessiva del film. Non eccezionali, anzi al limite della mediocrità le interpretazioni; alquanto ridondante la regia, seppur ben curata e visivamente affascinante. E’ probabilmente arrivato per Iñàrritu il momento di dare una svolta al proprio cinema, un cinema troppo gratuitamente tragico, tanto che a lungo andare è diventato fasullo e difficilmente sostenibile.

Salvatore Scarpato, 30 ottobre 2006.

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"INCOMPIUTO" - La tragicità efficace dell'ultimo 21grammi non è ripresa in questo Babel. Riprendo un vecchio adagio calcistico per riassumere in poche parole il nuovo film di Alejandro Gonzales Iñàrritu. "Buona l'idea, non altrettanto la conclusione." Sia ben chiaro che adattando il motto sportivo al lungometraggio in questione non si tratta di conclusione ma bensì di realizzazione nel suo insieme. Tre storie a tre capi diversi del pianeta concatenate tra loro: premessa interessante ma le attese non vengono rispettate e per qualcosa come sessanta minuti (dei 135 totali) il film non si fa guardare. La violenza sembra esibita all'interno di una tragedia un po' troppo gratuita. La psicologia dei personaggi è inesorabilmente debole, soprattutto per i quattro protagonisti di spicco delle vicende (Pitt, Blanchett, Bernal e Kikuchi). Sembrano ad un primo distratto sguardo tutti caratteri forti e curati ma lasciano pian piano trasparire una, fastidiosissima, aura di superficialità. La non riuscita del film si completa con i futili e trascurabili legami che le vicende presentano tra loro. Se la paradossalità della concatenazione di tre vicende disperse nel globo si risolve con la parabola del fucile fatale alla turista americana regalato da un ricco giapponese (con qualche scheletro nell'armadio e una sessualmente squilibrata figlia sordomuta) ad un povero marocchino che poi lo rivenderà sulle sue montagne per qualche spicciolo e una capra, il film, inevitabilmente, crolla su se stesso.

Matteo Bursi, 14 dicembre 2006.

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I film a tesi hanno sempre dei grossi limiti di partenza, insiti nella loro stessa natura dimostrativa: nel caso di un regista come Alejandro Iñarritu, questi limiti possono trasformarsi in un vero e proprio handicap, che ne inficia qualsivoglia giudizio critico. Per i suoi detrattori, queste storie incrociate sul filo di tesi piuttosto ardite, che siano il peso dell’anima di 21 Grammi o l’eventualità che una tragedia che accada in una parte del mondo possa avere ripercussioni verso luoghi e persone lontanissime come in questo Babel, risultano alquanto indigeste. Ma se andiamo oltre la superficie programmatica delle sceneggiature di Arriaga – che è la vera testa pensante di queste storie – riscontriamo più di un punto a favore del regista messicano: innanzitutto la direzione degli attori, davvero ottima, che siano non professionisti o star come Gael Garcia Bernal (scoperto proprio da Iñarritu in Amores Perros) e Brad Pitt; circa poi i temi di fondo del film, essi valgono molto di più di ciò che emerge dalla superficie. Ciò che resta di Babel, più della tesi di base, è la profonda incomunicabilità e la solitudine che ca-ratterizza i personaggi, data non tanto dal parlare lingue diverse, ma linguaggi diversi. La coppia in crisi, il rapporto padre-figlia, lo scontro con l’autorità (sia al confine messicano che nel deserto marocchino) sono tutti esempi di codici linguistici in contrasto fra loro: parlano la stessa lingua, ma non sanno comunicare. I personaggi sono mossi da motivazioni più profonde rispetto a quanto potrebbe sembrare ad un primo sguardo, e l’accusa di aridità emotiva è francamente discutibile, poiché il regista evita il patetismo, ma non l’emozione, che traspare nonostante il compiacimento stilistico, disinnescando qualsiasi forma di ricatto nei confronti dello spettatore, a costo di eccedere nella sottrazione e nella rinuncia a climax melodrammatici.

Come padronanza di racconto Iñarritu migliora ad ogni film, il suo stile fatto di salti temporali in Babel è molto più controllato e al servizio della storia rispetto alle pellicole precedenti, e certi pezzi di bravura sono da antologia (il lavoro sul sonoro nell’episodio giapponese –il migliore – per rac-contare il disagio della protagonista, il vagheggiare nel deserto della tata messicana, la telefonata tra Brad Pitt e i figli). E i più scettici si riguardino la scena della ritrovata intimità della coppia Pitt/Blanchett, con lui che aiuta la moglie ferita a fare pipì: in mano ad un altro la sequenza sarebbe potuta entrare negli annali del trash e del ridicolo involontario.

Anche se le tesi di partenza sono irritanti, pretestuose e a volte insostenibili, teniamocelo stretto Iñarritu, perché i talenti vanno sempre incoraggiati, e chissà che al prossimo film (magari senza Arriaga) questo regista non metta tutti d’accordo.

Giulio Ragni, 15 dicembre 2006.

AS YOU LIKE IT (di Kenneth Branagh, 2006)

2009-04-19T15:35:00.001+02:00

Kenneth Branagh, uno dei maggiori cantori cinematografici di Shakespeare e sempre convinto dell'attualità del Bardo, adatta affronta la prova con la consueta professionalità ma cerca di essere originale a tutti i costi, decidendo di abbandonare l'Inghilterra per ambientare il tutto nel Giappone di fine Ottocento. Poteva essere un'idea (la vita come teatro e rappresentazione), supportata del resto dal notevole lavoro svolto sui costumi e sulle scenografie (che sembrano imitare lo spazio scenico), senonché resta purtroppo la sensazione di trovarsi di fronte all'ennesimo prodotto pensato e realizzato per arruffianarsi l'MTV generation: assoldata come protagonista una delle attrici più in del momento, ovvero Bryce Dallas Howard (che pure dimostra la sua bravura), e fatto diventare di colore l'innamorato Orlando, Branagh fa piombare i personaggi in mezzo ad attacchi ninja comandati da un duca-samurai che sembra Darth Vader, combattimenti di sumo, giardini zen e geishe (per non parlare della reazione che suscita il sentire una contadina giapponese riconoscere la grandezza di Marlowe). Il problema è che dopo mezz'ora, tra movimenti circolari fin troppo facili e inutili esercizi calligrafici, Branagh ci riporta, senza volerlo e dimenticando la contestualizzazione iniziale, nella foresta inglese, limitandosi a ricordarci, con qualche fugace inquadratura, che siamo in Giappone. L'impostazione è tipicamente teatrale, la vicenda si lascia tranquillamente guardare fino all'apprezzabile epilogo metacinematografico, ma il ritmo rimane basso e il film non decolla, venendo fortunatamente salvato dagli interventi di indispensabili personaggi di contorno, come il solitario filosofo Jaques (un tormentato Kevin Kline) e l'esilarante giullare di corte (un Alfred Molina che è un misto di incontinenza verbale e slapstick comedy).

Paolo Nardi, 16 novembre 2006.

A SCANNER DARKLY (di Richard Linklater, 2006)

2009-04-19T15:33:00.001+02:00

La sostanza D brucia il cervello delle persone, potente acido che produce, nel tempo, la dissociazione tra i due emisferi del cervello : con la "morte" (altro nome dato all'acido, in effetti mortale) non si possono avere delle vie di mezzo, o sei dipendente o non l'hai mai provata.

In un era post - moderna in cui il 20% della popolazione americana è dipendente dalla sostanza D il governo ee i suoi collaboratori spediscono in missione degli infiltrati per scoprire i traffici illegali maggiori e porre fine ad una calamità che devasta le menti in modo irreversibile.
Bob Arctor è uno di questi infiltrati ma improvvisamente ed in modo inaspettato si scopre dipendente egli stesso dal terribile acido senza mai averla provata ; non si da una spiegazione nemmeno sul perchè, dall'oggi al domani, la sua vita sia così rovinosamente crollata, la separazione dalla moglie, le allucinazioni...gli stessi suoi colleghi che segretamente indagano su di lui...
Viene data una visione esauriente ed impressionante di come vivano e vedano il mondo le persone che assumo sostanze allucinogene, il film ci mostra da dentro tutte le sensazioni ed i pensieri, i discorsi senza senso, gli scatti di gioia e di ira. Nello stesso tempo ci mostra un mondo corrotto al quale delle persone non importa più nulla, è solo il dollaro a contare ormari e la gente è carne da macello.
La cosa più particolare della pellicola però è che il film è recitato da attori che però ci vengono mostrati in versione animata, dei disegni che si muovono freneticamente per tutto il film, l'unica figura lenta, pacata, rimane Bob, che fino all'ultimo momento consercerà quel minimo di lucidità che forse gli permetterà di salvare se stesso e tutto il mondo...
Alla fine del film una lista di nomi di persone morte o con danni irreparabili al cervello o al pancreas, ricordate perchè decedute a causa di sostanze come la sostanza D che, pur inventata, rispecchia molto da vicino le droghe moderne cui sono assuefatte migliaia di persone nel mondo.
Giudizio: (legenda).
di Claudia Costanza. 21 Settembre 2007.

APOCALYPTO (di Mel Gibson, 2006)

2009-04-19T15:31:00.003+02:00

"LOTTA PER LA SOPRAVVIVENZA" - La storia in sé non ci è nuova:un popolo tranquillo (i Maya) un giorno viene invaso e decimato da un popolo nemico. I sopravvissuti alla lotta sono fatti prigionieri e portati,dopo un tragitto tortuoso ed umiliante,al cospetto del capo villaggio. Qui le donne sono vendute come schiave e agli uomini è mozzata la testa. La profezia annunciata da una bambina malata, incontrata lungo il viaggio, inizia però ad avverarsi. La prima manifestazione è data dall'eclissi di Luna che il sacerdote interpreta come un segno della sazietà di sangue del loro Dio. Così i rimanenti prigionieri hanno la possibilità di tornare liberi,sempre se riusciranno a fuggire nel campo di grano prima che lance,sassi e quant'altro è scagliato contro di loro li uccida.

Il protagonista,Zampa di Giaguaro,riesce a salvarsi ma da questo momento ha inizio una caccia mozzafiato nella foresta. Egli si salverà grazie all'amore per la sua famiglia(la moglie incinta e il figlio che abilmente aveva nascosto durante l'assedio). Il finale,che vede l'arrivo degli “uomini civilizzati”,gli spagnoli,mette in dubbio ancora una volta il loro destino Come nei precedenti “Braveheart”e “La passione di Cristo”, Mel Gibson non lascia nulla al caso:paesaggi reali(girati in una foresta messicana),attori carismatici(indigeni e messicani senza esperienza cinematografica) e lingua dell'epoca(Yucateco). Personalmente amo la regia di Mel che ancora una volta è riuscito a far nascere in me la voglia di approfondire le mie conoscenze riguardo temi finora solo abbozzati sui libri di scuola. I film di questo straordinario regista rimarranno nella storia perché sono veri e proprio capolavori artistici,dove ciò che conta non sono le parole ma ciò che le immagini suscitano in chi le guarda.

Giudizio: (legenda).

di Pamela Garbin, 6 gennaio 2007.

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Nella foresta messicana vivono le popolazioni Maya, alcune sono piccole comunità rurali, una di queste ha fondato una città e la sua popolazione è molto numerosa. La comunità civilizzata soffre di terribili carestie e malattie per cui decidono di fare sacrifici umani al loro Dio perchè li salvi da questi eventi funesti. gli uomini offerti in sacrificio sono appartenenti alle piccole comunità rurali tra cui anche quella in cui vive il protagonista, Zampa di Giaguaro, anch'egli fatto prigioniero. Il villaggio in cui egli vive viene dato alle fiamme, il padre viene ucciso, a stento riesce a nascondere la sua compagna col figlio in una grotta, promettendo loro che farà ritorno. Arrivato in città, sta per essere sacrificato al Dio ma, per una serie fortuita di coincidenze, furbizia e coraggio, riesce a scappare ma viene inseguito fino ai confini del suo villaggio, riesce ad annientare tutti gli inseguitori, salva la sua compagna e i due figli (nel frattempo ella ha partorito) e tutto sembra concludersi. Se non che, volgendo lo sguardo alla spiaggia, compaiono delle navi, quelle dei coloni, e Zampa di Giaguaro dice "Meglio andare nella foresta a cercare un nuovo inizio".

Come TUTTI i film, non importa se Apocalypto sia storicamente attendibile e nemmeno se sia "la solita americanata", non importa se Gibson abbia creduto col cuore in quello che stava facendo o abbia solamente seguito la scia di "the passion". Importa invece se questo film sia passato solo dal cervello o anche dal cuore. Non è un film abbastanza bello da piacere a tutti ma non è certo un brutto film che la critica collettiva possa schiacciare. Prima di andare al cinema ho letto veramente di tutto sull'opera, sia da siti inglesi che italiani, sia da riviste come Ciak e sono giunta in sala cinematografica con addosso una curiosità mostruosa!

Alla fine mi è piaciuto, e molto. Non lo considero un capolavoro ma le 2.05 ore mi sono passate davvero veloci, mi ha fatto letteralmente rimanere attaccata allo schermo!

Mi è piaciuto ma ci ho trovato anche parecchia superficialità. E' vero che non conosco la vera storia dei maya, ma voglio augurarmi che non fossero davvero così come li descrive talvolta Gibson. Soprattutto i capi del popolo maya civilizzato vengono delineati dal regista come uomini terribilmente materiali, adorano il loro Dio in modo egoistico, rumoroso, quasi utilizzandolo per ingraziarsi i favori della folla sottostante che vuole unicamente la fine di carestie e malattie. Gibson li descrive anche ingiustificatamente crudeli. certo, io credo che le civiltà antiche abbiano conosciuto molta violenza, ma non penso affatto che ci fosse molto tempo per tutte le cattiverie gratuite e le vendette che appaiono nel film. A volte sembra quasi di scorgere una moderna civiltà travestita e truccata.

Molto più veri e propriamente umani sono invece i componenti della popolazione di Zampa di Giaguaro, Persone semplici, la parola del cui Dio passa attraverso la bocca degli anziani che per farsi intendere raccontano storie in cui si pone in rilievo l'unione tra essere umano e natura, due entità inscindibili per un popolo che abita le foreste. Quando Zampa di Giaguaro fugge, egli stesso diventa un animale e come nel racconto del Saggio del villaggio, l'aquila gli presta i suoi occhi e altri animali altre doti per poter sopravvivere al feroce inseguimento. Lui ed il suo popolo la sera danzano intorno al fuoco, di giorno cacciano, qualcosa di più tangibile, più attinenete, secondo me, ad una civiltà esistita tanto tempo fa.

Bellissima e azzeccata l'idea di utilizzare il linguaggio originale, come anche attori autoctoni, geniale perchè, per quanti effetti speciali ci siano, per quanto le musiche siano apocalittiche (non trovo termine migliore) e la regia decisamente moderna, con un pò di immaginazione ci si sente davvero trasportati in un altra epoca. Certo, un pò più di rusticità nei toni non avrebbe guastato di sicuro.

Apprezzata tantissimo la recitazione, in particolar modo di Zampa di Giaguaro, un guerriero di pochissime parole ma i cui occhi esprimono esattamente quello che sente dentro il suo cuore, la rabbia, la tristezza, la forza interiore che non gli fà mai perdere la speranza, che lo fà sempre stare attento a quello che gli succede intorno, cercando una via per potersi liberare dall'orrore che gli è piombato addosso. Ed è questa ultima caratteristica, tramandatagli dal padre, questa lucidità nel percepire gli eventi anche nella situazione più spaventosa, alla fine, a salvarlo. E salvando se stesso riesce anche a salvare la sua donna ed i suoi due bambini, dopo avere annientato tutti gli inseguitori, meticolosamente, uno per uno.

Cosa dire infine della scena che và a concludere il tutto? Sembra quasi che con la frase finale ("è meglio che andiamo nella foresta a cercare un nuovo inizio") Zampa di Giaguaro sappia benissimo cosa siano quegli oggetti che vengono dal mare, chi siano le persone che quegli oggetti trasportano e questo, naturalmente non è possibile. Forse il guerriero era stanco, forse la sua indole gli ha detto di fuggire da ciò che non conosceva? Il film forse avrebbe dovuto fermarsi con la riconciliazione e lasciare allo spettatore la vista delle navi dei coloni ed il pensiero di cosa ciò avrebbe portato nella vita di tutti i Maya, civilizzati o meno, che popolavano quelle terre.

Giudizio: (legenda).

di Claudia Costanza, 25 gennaio 2007.

ANPLAGGHED AL CINEMA (di Rinaldo Gaspari, 2006)

2009-04-19T15:30:00.002+02:00

Aldo Giovanni e Giacomo mettono insieme cento minuti del loro più recente spettacolo teatrale e lo propongono al pubblico cinematografico nel sua forma (quasi) originale. Montando gli sketch ripresi nelle esibizioni modenesi, il trio prova a raccontare una serie di piccole storie ambientate nella periferia di una grande metropoli lombarda. In realtà, se questo film fosse una commedia 'normale' bisognerebbe scrivere che è "divertente solo a tratti". Almeno un paio di sketch, infatti, sono davvero riuscitissimi, ma quello che manca è il ritmo generale e il respiro cinematografico. Perché sì, è vero che cinema e teatro sono entrambi spettacoli di massa e quindi sembrerebbe avere un senso destinare questo prodotto al grande schermo invece che a quello piccolo, ma a teatro gli attori sono lì insieme agli spettatori, e la loro presenza aiuta molto a trascinare il pubblico anche nei momenti meno riusciti. Comunque per chi ama il trio comico non si illuda, non c'è una storia "tratta da", è lo spettacolo così come è stato rappresentato a teatro selezionando alcune scene in modo da ridurne la durata da due ore a circa cento minuti, con tanto di palcoscenico e di pubblico. Il teatro al cinema insomma, ripreso con telecamere ad alta definizione, con la regia di Rinaldo Gaspari, e registrato col sistema Dolby digitale per offrire una qualità di immagini e suoni in grado di rendere al meglio le atmosfere delle rappresentazioni dal vivo.

di Battista Passiatore, 30 novembre 2006.

ANGEL-A (di Luc Besson, 2005)

2009-04-19T15:27:00.003+02:00

Un film in cui il dialogo è talmente grande nella sua semplicità che si potrebbe fare a meno di tutto il resto, ma Luc Besson ha messo in scena anche il resto : due soli attori che riempiono lo spazio ed il tempo ; Parigi, città elogiata e meravigliosa, immensa nella sua spazialità, potente nella sua forza, sembra quasi che anch'essa tenti di stabilire un dialogo, soprattuto con Andrè (protagonista maschile, che proprio da uno dei ponti di Parigi cerca di buttarsi) ; Il bianco e nero, ultimo protagonista della pellicola che la riveste di surreale (non si capise bene infatti se ciò che si verifica sia frutto della mente di Andrè o realmente stia accadendo : il bianco e nero fà di tutto un sogno..).
AngelA è davvero un angelo ? Compare nella vita di Andrè quando tutto sembra essere perduto, al punto di volersi buttare giù da un ponte (comunque poco convinto, poichè egli non è mai convinto di nulla se non di ciò che gli dicno gli altri).
AngelA è lì di fianco a lui, anche lei sul ponte...AngelA lo salva, parlandogli, solo rivelando ad Andrè il vero se stesso, diverso da quello che gli mostra al mondo, ricco invece di una forza interiore che però, in una intera vita, non è mai stato capace di esprimere e soprattutto pieno di un amore che non ha mai saputo esternare.
AngelA gli fà capire tutto questo e anche Andrè, a suo modo, salverà lei. Un film davvero di spessore pur nella sua semplicità, nelle sue frasi sentite e risentite, quelle frasi che vengono così spesso ripetute, nella pellicola come nella nostra vita, perchè pur essendo così facili ed intuitive, solo pochi riescono a metterle in pratica oltre al solo comprenderle e condividerle.
Giudizio: (legenda).
di Claudia Costanza, 10 marzo 2007.

WALLACE & GROMIT E LA MALEDIZIONE DEL CONIGLIO MANNARO (di Steve Box e Nick Park, 2005)

2009-04-19T15:22:00.001+02:00

"DOLCESPRESSIVO" - Chiunque sia stato in Gran Bretagna e abbia passato un po' di giorni in una famiglia inglese non può non aver visto almeno una volta i corti di "Wallace&Gromit", veri divi al di la della Manica. E dopo Stati Uniti, Australia ed Olanda arriva in Italia il primo lungometraggio dedicato alla coppia. Un vivace horror per vegetariani, in cui Wallace..l'umano goloso di formaggio..e Gromit... fido ed intelligente cagnolino(il vero genio di casa)sono alle prese con una miriade di teneri e buffi coniglietti talmente ingordi da mangiare tutti gli ortaggi presenti nel pittoresco paese di Tottington e compromettere cosi la fiera dell'ortaggio gigante (molto popolari in Gran Bretagna). Ecco allora entrare in azione la "S.W.A.T antipesto"squadra speciale,formata dai due grandi amici,per la difesa dei vegetali! Realizzato in animazione stop-motion, i pupazzi sembrano quasi reali grazie alla loro grande espressività (se si pensa che il personaggio di Gromit è muto). Un film divertente e simpatico in cui non si può non venir catturati dalla dolcezza e astuzia di Gromit disposto a tutto pur di aiutare il suo amato padrone.
Giudizio: (legenda).

di Federica Bongiovanni. 9 Marzo 2006.

TI AMO IN TUTTE LE LINGUE DEL MONDO (di Leonardo Pieraccioni, 2005)

2009-04-19T15:18:00.002+02:00

"COMUNQUE PIACEVOLE" - Cosa c'è da dire sull'ultimo film di Pieraccioni? Storia studiata nei particolari! O almeno... Questo è quello che ci vuole far credere l'autore. Piacevole sicuramente, e non mancano le battute divertenti, i personaggi curiosi, i piccoli colpi di scena! Ma ho l'impressione che non basti. Scorre bene, ci si mette dalla parte del protagonista, quasi convincente! Perchè allora bisogna così semplificare il tutto alla fine? Un pò deludente il PRE- VISSERO FELICI E CONTENTI, ma almeno non scivola subito via! E questi personaggi stereotipati hanno qualche caratteristica nuova, come la professione strana della giovane madre innamorata, come tutta la banda della lavanderia, e perchè no?! Le strane lingue che va a cercare la ragazzina(il maldiviano)! Io l'ho visto e non mi son pentita... Consiglio di passare dal cinema, se non altro ... Vi è un bene di fondo e un ottimismo di cui abbiamo tutti veramente bisogno in questo 2000 spento e ormai privo di sogni a lunga durata.

di Valeria, 18 dicembre 2005.

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"PIERACCIONIANO doc" - Sufficientemente Pieraccioni. Film di Natale e titolo accattivante,gli ingredienti alla Pieraccioni li ritroviamo tutti: a partire dalla stesura della sceneggiatura con Veronesi,alla presenza della stangona di turno meglio se straniera, cast di amici da Barbara Enrichi a Massimo Ceccherini (fortunatamente in veste diversa) al ritrovato 'laureato' Rocco Pappaleo,forse le gag migliori le ritroviamo con lui. Aggiungiamo un collante come Panariello che porta avanti la scena balbettando,per finire condiamo con un bel pizzico di animali che fanno sempre tanta tenerezza. Trama sicuramente più elaborata e convincente dell'ultimo Il paradiso all'improvviso,dovuto forse ad una maturità o alla mossa astuta di spostare il punto d'osservazione agli occhi di una sedicenne! Curiosità,con la presenza del cantautore Francesco Guccini si realizza un altro sogno dopo quello di aver in un suo film, la voce 'over' di Mario Monicelli nel Ciclone.

di Alessio Novarelli, 2 gennaio 2006.

THE NEW WORLD (di Terrence Malick, 2006)

2009-04-19T15:15:00.002+02:00

"NON RIUSCITO" - Misterioso e imperscrutabile, elusivo e solitario, Terrence Malick, con una manciata di film in trent’anni, è diventato un regista dal culto assolutamente meritato, così lontano dalle mode di Hol-lywood come dagli stereotipi dell’autore all’europea. Dispiace perciò ancora di più constatare che The New world è un film sostanzialmente non riuscito, perché se è vero che l’arte e la filosofia, attraverso la sensibilità e il raziocinio, illuminano la vita di noi comuni mortali grazie alla loro capacità di vedere la realtà profonda delle cose, per Malick, che è artista e filosofo insieme, la banalità del “messaggio” del film è una colpa grave.

Tecnicamente monumentale, lentissimo ed estenuante, The New World mette in scena l’eterno scontro tra natura e cultura, tra l’ordine primigenio dell’esistenza e la civiltà che annichilisce ogni cosa, riprendendo la leggenda di Pocahontas, che già aveva ispirato la Disney, al fine di sviscerare le contraddizioni che hanno portato alla scoperta di un Eden vagheggiato e irrimediabilmente perduto. La prima mezz’ora è straordinaria, con l’arrivo degli inglesi, la bellezza arcana delle immagini, tra fiumi maestosi e suggestivi tramonti, e l’incontro fra le opposte culture, raccontato con minuzia da antropologo. Poi qualcosa non torna, il substrato metaforico si fa forzatamente didascalico, e an-che stilisticamente non tutto funziona. Se la scelta di narrare la storia d’amore tra Pocahontas e il capitano John Smith con sguardi pudici e carezze innocenti è felice, così come anche le (rare) scene di battaglia anacronisticamente prive di dettagli sanguinolenti, le voci off dei protagonisti, in una sorta di sinfonia interiore, che tanto bene avevano reso ne La sottile linea rossa, alla lunga stufano, e cadono talora nel ridicolo, e lo stile sin troppo estetizzante rischia di trasformare le belle immagini in uno spot del National Geographic.

di Giulio Ragni, 18 gennaio 2006.

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Replica a "non riuscito" - La caratteristica di Malick regista è forse quella di dare ai suoi personaggi una visione introspettiva per poi esternare i loro sentimenti ed emozioni, paure e angosce, per meglio coinvolgere lo spettatore e farlo sentire parte della situazione. Ce ne ha dato una buona prova con "La sottile linea rossa" che con questo nuovo film ha in comune la lunga durata e le scene di forte emotività. Avendo visto il trailer ci si aspettava forse un capolavoro fatto di grandi scene d'azione e dal forte pathos con momenti toccanti e dolci tra i protagonisti. Bisognerebbe forse vederlo 2 volte per comprenderne il pieno significato e le varie sfumature che esso assume. L'inizio è alquanto coinvolgente infatti e fa sperare in un ottimo prodotto destinato a diventare un colossal ma a lungo procedere si avverte una sgradevole sensazione di suspance in attesa del momento di una svolta caratteriale che il film non prende mai. La trama si fa più complicata e rimanda a situazioni difficili per i personaggi che non aiutano parlando il meno possibile e lasciando gran parte alla comprensione soggettiva dello spettatore. Permangono invece le immagini con sfondo la natura incontaminata degne di un documentario che a lungo andare portano alla noia di stare seduti e fanno cadere gli occhi prima incollati allo schermo. La lunga durata certo non aiuta per il godimento e l'approvazione della pellicola da parte del pubblico.

di Boris Fietta, 10 febbraio 2006.

ROMANZO CRIMINALE (di Michele Placido, 2005)

2009-04-19T15:05:00.002+02:00

"QUASI-CAPOLAVORO" - Incalzante e febbrile. Torna finalmente il crime-movie anni '70, che fu il genere esportato oltreoceano che fece conoscere il nostro cinema al mondo. Il film di Placido è un ritorno al passato; prova lo è che la vicenda parte proprio ambientata in quegli anni '70 e in quelle strade umide e pericolose, rappresentando la nascita di una gang criminale dalle sue radici, partendo dall'infanzia.

La banda della Magliana, peraltro mai nominata esplicitamente nel film, nasce cresce e si estinguerà in venti anni, vivendo sullo sfondo di un periodo socio-politico oscuro, ben rappresentato e palpabile, in cui vengono a darci mano documenti e immagini di repertorio catalizzati dalla tv.

Tra tradimenti e complotti, sparatorie e vendette, intrighi politici e indagini poliziesche, e spaccati di vita privata dei protagonisti, il film è un martello che picchia forte il ferro sull'incudine e che lascia pochi attimi di respiro allo spettatore, trainato da una splendida colonna sonora e ben rappresentato da una fotografia livida e umidiccia, di grande caratura.

Placido, ispirato nell'impianto narrativo a "C'era una volta in America" di Leone, ha realizzato un film riuscito nell'intento del titolo che lo presenta, appunto "romanzo..." E si fa vedere senza avere la presunzione primaria di una collocazione storica precisa e puntuale, senza pretese politiche e sociali, ma che comunque mostra davvero la condizione dell'Italia.

Una storia "vera" mostrata come dagli occhi dei protagonisti, quel crescere insieme ai margini, che li rende uniti nell'inesorabile distruzione di sangue "fuori" e niente "dentro"; quasi un viaggio parallelo alla storia, che ti lascia l'amaro dentro per la loro fine e per l'Italia martorizzata di quegli anni.

Brillantemente trascinanti i tre (Favino, Rossi Stuart e Santamaria) che regalano ai personaggi una gamma di emozioni intense ed alternanti da lasciarti completamente conquistato...anche il ruolo minore affidato a Riccardo Scamarcio è assolutamente azzeccato e fortemente credibile.

Unica nota stonata, purtroppo contro tutte le aspettative, è la scarsa performance (rispetto alle sue potenzialità) di Stefano Accorsi e la sua relazione con Patrizia forse un po' forzata. Ma un piccolo dettaglio non poi così grave non si nota neanche in un "quasi capolavoro" come questo.

di Daria Piccioni, 26 ottobre 2005.

QUANDO SEI NATO NON PUOI PIU' NASCONDERTI (di Marco Tullio Giordana, 2005)

2009-04-19T15:02:00.002+02:00

"IRRISOLTO" - L'ultimo film di Giordana ha alcune sequenze molto belle, come l'annegamento del bambino e il suo ripescaggio da parte dei clandestini: una letterale rinascita che giustifica il bel titolo poetico del film. E in generale ho trovato azzeccato il ritratto della famiglia borghese del Nord Italia, con un Alessio Boni, attore che non ho mai amato particolarmente, molto credibile. Ma il film sconta alcune debolezze tipiche del cinema italiano odierno: una certa fragilità narrativa (nonostante la premiata ditta Rulli-Petraglia), l'incapacità di tratteggiare personaggi archetipici che trascinino lo spettatore nel racconto, e soprattutto una correttezza politica di fondo che inficia uno sguardo realmente autentico su un tema, come quello dell'immigrazione, in cui è facile cadere nelle trappole dell'ideologia, da un lato come dall'altro. Anche il finale, più che aperto, mi sembra irrisolto, in un film complessivamente sopravvalutato dalla critica dopo i bei "I Cento Passi" e "La Meglio Gioventù". Nella media del cinema italiano, e la media, si sa, non è un granché.

di Giulio Ragni, 24 novembre 2005.

PRIME (di Ben Younger, 2005)

2009-04-19T11:37:00.001+02:00

"DOPPIA-PERSONALITA' " - Qualche gag divertente, una commedia piuttosto azzeccata, né banale né volgare, che comunque non può prescindere dalla forza delle due attrici protagoniste che ne formano la vera essenza. Senza Uma Thurman e Meryl Streep questo Prime non avrebbe la stessa personalità. Giocato molto sugli equivoci e i doppi sensi riesce a non diventare troppo prevedibile. Meryl Streep, ma non è una novità, è una perfetta psicologa accomodante che si trasforma pian piano in suocera scomoda e dominata da tic e fobie. Non c'è il lieto fine e forse e meglio così, la chiusura adatta alla linea del film.

di Matteo Bursi, 21 febbraio 2006.

ONE MAN BAND (di Mark Andrews e Anthony Jimenez, 2005)

2009-04-19T11:34:00.002+02:00

"MERAVIGLIOSO" - Una piazza deserta di un paesino (europeo) con una fontana al centro. Una monetina in mano ad una bambina. Due mirabolanti suonatori, due one man band che richiamano lo scalcinato e irresistibile Bert (interpretato dallo straordinario Dick van Dyke) del disneyano Mary Poppins.

Per quella unica povera monetina di mancia i due suonatori dai mille strumenti iniziano una, sempre più estrema, sfida all'ultimo prodigio musicale. La sfida però va oltre i limiti e, nel trambusto provocato dai due squattrinati musicisti, la monetina cade dalla mano della dolce bimba e, maligna, cade irrimediabilmente nel tombino. Le parti si invertono. La bambina ora chiede la mancia ai due bohémiene. E nell'incredulità dei due, la piccola si farà ammirare in una sontuosa esibizione. Un passante non inquadrato sgancia un sacco pieno di monete d'oro sulla ciotola della bimba che, non sazia, nel finale si prende gioco dei due one man band.

Una delle opere più belle della preziosa collezione della Pixar. Nominato agli Oscar 2006 come miglior corto animato. E' un cortometraggio dolce, il paese che circonda la disputa è un capolavoro. Il suonatore col cappello a punta emana una personalità fortissima. Assolutamente da vedere!

Giudizio: (legenda).

di Matteo Bursi. 3 Ottobre 2007.

OLIVER TWIST (di Roman Polanski, 2005)

2009-04-19T11:30:00.002+02:00

"LONDINESE" - Arriva sul grande schermo una nuova trasposizione del classico dickensiano "Oliver Twist", questa volta diretta da un maestro del cinema come Roman Polanski. La storia, più o meno già nota, tratta di un ragazzino di 10 anni, orfano di entrambi i genitori: Oliver Twist. Dopo una permanenza in orfanotrofio, Oliver viene adottato, ma la sua permanenza con la famiglia non è certo delle più felici, a causa dell'egoismo della matrigna e dell'insensibiltà del fratellastro. Fuggito, il ragazzo giunge a Londra dove conosce un gruppetto di coetanei, grazie ai quali e soprattutto grazie all'aiuto del "capo" della banda, l'anziano Fagin, riesce ad avere di che nutrirsi e ad imparare l'"arte" del furto. Proprio durante una marachella dei suoi amici, viene ingiustamente arrestato, ma per una volta la fortuna è dalla sua parte e Oliver viene preso in cura da una ricca e raffinata famiglia locale. Ancora una volta Polanski riesce a realizzare un film coinvolgente ed emozionante, che prende lo spettatore e lo porta dritto nella Londra ottocentesca e nelle sue caratteristiche ambientazioni senza mai essere buonista o retorico. I personaggi, costruiti in maniera ineccepibile, nascondono infinite sfaccettature, su tutti spicca la splendida figura di Fagin, un anziano dall'aspetto repellente, che suscita emozioni contrastanti nello spettatore; il suo personaggio è tra l'altro interpretato da un eccezionale Ben Kingsley che offre una prova splendida. Uno dei punti forti della pellicola è l'ambiguità delle emozioni che suscita, per cui si è portati a provare sentimenti differenti per uno stesso personaggio in situazioni diverse; tutto ciò è garantito proprio dalla tridimensionalità dei personaggi. Ottimo il cast (su cui spicca come già scritto Kingsley) così come le scenografie londinesi e la eccellente fotografia. Da lodare il compositore Portman che è riuscito a creare una colonna sonora perfetta e particolarmente coinvolgente. In definitiva il film di Polanski mostra una bellezza classica e rigorosa ma forse poco contemporanea, il che ne diminuisce la potenza espressiva. La storia è affascinante ma purtroppo non offre niente di particolarmente innovativo alla cinematografia. Insomma un film bellissimo che però non può essere equiparato ai capolavori del regista polacco come "Il pianista" o "Chinatown".

di Salvatore Scarpato, 22 ottobre 2005.

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Replica a "londinese" - Sono d'accordo con te quando dici che il regista ci ha dato un ottimo affresco dell'Inghilterra dell'800 ma credo anche che abbia tralasciato di accentuare certi particolari sul modo di vivere degli inglesi che rendono il film mancante di una certa coerenza col libro e abbia dato poco spazio a certe scene soffocando così l'emotività e la passione che irrompono dalle pagine di Dickens. Penso anche che la bellezza del film non sia poco contemporanea poiché film tratti da libri sul mondo inglese ottocentesco ne sono stati girati molti (Wilde) e questo forse ne rispecchia il lato con più contraddizioni e ipocrisia della società inglese del tempo che tocca anche il mondo infantile (un esempio è la scena in cui i gendarmi posano delicatamente a terra il piccolo Oliver svenuto fuori del tribunale lasciandolo così, fortunatamente soccorso dal suo benefattore).

di Boris Fietta, 30 ottobre 2005.

NON BUSSARE ALLA MIA PORTA (di Wim Wenders, 2005)

2009-04-19T11:27:00.001+02:00

"(IN/S)CONTRO GENERAZIONALE" - A vent’anni da Paris, Texas, Wim Wenders ritrova Sam Shephard, per raccontare la storia di un attore sul viale del tramonto che improvvisamente si scopre padre e parte alla ricerca del figlio mai conosciuto. Il regista si affida alla forma narrativa da lui privilegiata,ovvero il road-movie, ma lo stile ora è dimesso e malinconico, come il protagonista, giunto a compiere un bilancio sulla propria vita. La riflessione, come sempre in Wenders, da particolare si fa universale, e la città di Butte, dove chiunque vi arriva è solo di passaggio, diventa allegoria della vita stessa, e ci ricorda che tutti siamo di passaggio in questo mondo, e i figli sono traccia e testimonianza della nostra esistenza. La storia procede con ritmi lenti e situazioni ai limiti del paradosso, la colonna sonora – come sempre curatissima – è più vicina al country e al blues che non al rock: Wenders nel suo (per ora) ultimo film americano esorcizza la propria personale visione della vecchiaia e della morte, e mette in scena l’incontro/scontro generazionale; così il viaggio finale chiude il film in segno inverso e opposto rispetto alle premesse, con i figli che vanno alla ricerca del padre e, per estensione, delle proprie radici.

di Giulio Ragni, 22 ottobre 2005.

NIENTE DA NASCONDERE (di Michael Haneke, 2005)

2009-04-19T11:25:00.003+02:00

"SPIAZZANTE" - All’ultimo festival di Cannes ha vinto il premio per la miglior regia, anche se molti fra gli addetti ai lavori avrebbero preferito che ottenesse il massimo riconoscimento: eppure Niente da nascondere (Caché) di Michael Haneke – che peraltro si pone ai vertici della filmografia del regista austriaco – ci sembra appartenere ancora una volta a quel filone di opere dove a dominare è la provocazione fine a sé stessa.

La storia è presto nota: un critico letterario riceve alcune inquietanti videocassette, accompagnate da strani disegni, che incrinano a poco a poco la tranquillità della sua famiglia. L’abilità di Haneke è quella di disintegrare le certezze dello spettatore sin dall’inizio, confondendo l’immagine cinematografica con quella televisiva registrata, e costruendo attorno a questa trovata stilistica un tipico meccanismo da film giallo; tuttavia il cortocircuito emotivo tra il passato individuale del protagonista e quello collettivo di un’intera nazione che si macchiò di gravi colpe nei confronti della popolazione algerina, appare alquanto sterile e inerte, mentre il film è assai più efficace quando descrive la dissoluzione della famiglia alto-borghese, grazie soprattutto alla superba prova degli attori, Daniel Auteil e Juliette Binoche. Una menzione particolare va fatta anche alla scenografia e alla fotografia, che comunicano esattamente quel sentimento di estraneità che progressivamente si instaura tra i personaggi: sia la casa che lo studio televisivo sono arredate con scaffali di libri dappertutto, e immerse in una luce bianchissima, raggelante, per sottolineare la vacuità e la superficialità dei rituali borghesi, come le cene fra amici o le discussioni intellettualistiche; una puntuale messa in scena di quella patina di conformismo che nasconde (da cui il titolo originale) i segreti di un passato rimosso e taciuto, e che non va rivelato nemmeno alle persone più vicine. A spezzare lo stile algido e limpido del film intervengono un paio di sequenze cruente, che come spesso accade nelle opere di Haneke, sono di una gratuità così evidente che si ha il sospetto che il regista le abbia messe appositamente per scioccare e basta, così come l’enigmatico finale, in cui molti critici vi hanno letto ambizioni metafisiche, sembra più voler spiazzare ancora una volta lo spettatore, che una reale esigenza espressiva e narrativa.

di Giulio Ragni, 3 novembre 2005.

NATALE A MIAMI (di Neri Parenti, 2005)

2009-04-19T11:22:00.002+02:00

"FUTURO DA CULT" - La coppia - non coppia. Dopo ben 23 film fatti,con Natale a Miami,Neri Parenti ci vuol gia far rimpiangere quella che diventerà di sicuro il serial popolare cult del nostro cinema all'italiana, soppesandone certamente la qualità. Le smanie sessuali ne fanno da padrona,Boldi e De Sica sicuramente in bella forma ,si alternano e s'intrecciano come sempre in storie parallele,supportati dall'innesto di un azzeccato Massimo Ghini.

Gag per tutti i gusti e dialetti della nostra penisola,il film è forse tra i migliori della coppia - non coppia,diretto,sorridente ma soprattutto leale nei riguardi di un pubblico che a Natale ha voglia di ridere digerendo il blockbuster Hollywoodiano.

di Alessio Novarelli, 26 dicembre 2005.

MUNICH (di Steven Spielberg, 2005)

2009-04-19T11:19:00.004+02:00

“E’ troppo fazioso”, “No, è politicamente corretto”, “E’ solo un thriller, non analizza in maniera approfondita la questione israelo-palestinese”… I commenti a uscita sala sull’ultimo film di Spielberg si sprecano, segno che l’opera è risultata davvero controversa, scontentando conservatori e progressisti, filo-israeliani come i simpatizzanti della causa palestinese.

Munich parte dall’attentato delle Olimpiadi di Monaco del 1972 compiuto dal commando “Settembre Nero”, che causò la morte di undici atleti israeliani, per raccontare la vendetta di Israele, soffermandosi sui dubbi, le esitazioni, di un manipolo di uomini costretti ad obbedire alla ragion di stato, in una missione che rimetterà in discussione le convinzioni, i rapporti umani, le loro stesse vite. Aldilà delle convinzioni politiche personali, il risultato finale è un film superbo, espressione del miglior cinema popolare americano, capace di stimolare la riflessione nello spettatore attraverso le emozioni che lo investono, grazie al contributo di un ottimo cast di non star, fluidi movimenti di macchina, grande senso drammaturgico e asciuttezza narrativa. L’adesione ad un modello di genere dona all’opera una connotazione universale, liberandola dall’opprimente tema: più che una critica contro Israele (che pure c’è), Spielberg ha realizzato un atto di denuncia contro l’apologia della violenza, contro la vendetta di stato (un velato riferimento a Bush e la guerra in Iraq?), intravedendo solo nella famiglia – onnipresente topos spielberghiano – il luogo dove rifugiarsi e sfuggire all’insensatezza di un odio che ha radici profonde. Un film di pace, in poche parole. In una sequenza il protagonista e un terrorista palestinese si parlano, ignorando l’uno l’identità dell’altro, rivendicando le ragioni della propria lotta, del diritto ad esistere; la sequenza, che sembra smentire quella della radio immediatamente precedente, è di lucido pessimismo (o realismo se preferite), perché ognuno è trincerato dietro le proprie idee, senza possibilità di un compromesso. E’ dunque vero che Spielberg non da soluzioni, ma se in tanti decenni non ci sono riusciti statisti, professionisti della politica o intellettuali, è arduo lasciare questo compito al cinema.

Nell’ultima parte del film il protagonista è vittima della propria paranoia: in una sequenza che cita La Conversazione di Coppola, distrugge la propria abitazione, preda dei propri fantasmi; il limite che separa vittime e carnefici, tra Monaco e la ritorsione successiva, si è assottigliato fino a diventare indistinguibile. E così anche il rifiuto di spezzare il pane nell’ultima scena sottolinea il dissidio tra un popolo funestato da infinite tragedie, e le responsabilità di un governo le cui scelte non sono sempre necessariamente condivisibili.

di Giulio Ragni, 19 febbraio 2006.

ME AND YOU AND EVERYONE WE KNOW (di Miranda July, 2005)

2009-04-19T11:17:00.002+02:00

"SOVRACCARICO" - Miranda July è una nota artista d’avanguardia della scena newyorkese, e Me and you… rappresenta il suo esordio nel lungometraggio, che ha ottenuto buon successo e numerosi premi nei circuiti festivalieri internazionali. E il motivo è facilmente intuibile, perché il film racconta una storia vecchia come il mondo – la ricerca dell’amore e della felicità – con uno stile originale, che mescola umorismo bizzarro, tenerezze e poesia. Tuttavia, la storia d’amore tra la timida artista e il commesso fresco di separazione con due figli a carico, si sviluppa in maniera piuttosto faticosa, poiché il film si perde nel raccontare troppo i personaggi secondari, e lo stile surreale certo non facilita l’identificazione con i personaggi. Inoltre, benché la neoregista mostri un innegabile talento visivo, si ha la sensazione di assistere ad un sovraccarico di simboli non sempre necessari, solo per tendere al poetico e al meraviglioso (l’uccellino, il pesciolino rosso, il disegno al computer, e si potrebbe continuare): le singole scene sono come dei quadri che prendono vita sullo schermo, ma è un po’ come avere delle perle senza il filo per farne la collana.

Trattandosi di un’opera prima non potrà che migliorare, ma la July deve ancora comprendere la differenza tra cinema e videoarte, se vuole aspirare ad entrare in quel posto al sole che è il giovane cinema indipendente americano.

di Giulio Ragni, 27 dicembre 2005.

MATCH POINT (di Woody Allen, 2005)

2009-04-19T11:13:00.003+02:00

"INGRANAGGI PERFETTI" - Woody Allen trasferisce il suo cinema da New York a Londra e passa dalla brillante commedia a un perfetto noir. Una direzione attenta ai particolari rende il film sempre vivo, mai banale e scontato. La storia di un giovane ex-tennista (Chris) che si rimette in gioco dando lezione di tennis ai ricchi inglesi; il suo nuovo allievo è un giovane di buonissima famiglia (Tom), con il quale presto legherà. Entra nella sua famiglia e conosce la sorella (Chloe) che sposerà senza passione, passione che ritrova personificata in pieno dalla cognata Nola. Ben presto Chris e Nola si ritrovano arroventati in una passione che non si può sapere dove li porterà. Nola rompe con Chris perché lui ha un'altra ma anche perché già si può vedere che la bionda americana è l'unica vera perdente di questo film. Non viene mai accettata dalla (possibile) suocera e quindi per forza di cose è destinata a non arrivare, come non a caso non arriverà mainella sua carriera di attrice. Chris si ritrova diviso tra una moglie che desidera un figlio da lui, ma con la quale lui non riesce più ad andare a letto con passione e una ragazza che gli incarna la passione più trasgressiva e incontrollabile ma alla quale non riesce (e non vuole) a dare garanzie per il futuro. Qui si innesta il noir, il drammatico, il vero punto di rottura inatteso del film sottolineato da cupe arie liriche. Chris non riesce a lasciare quell'agiata e sicura vita che vede riflessa negli occhi della moglie e allora di nascosto si arma di un fucile da caccia del futuro-suocero e va a casa di Nola. Non svelo gli avvenimenti del finale per non rovinarlo a chi volesse vedere questo meccanismo dagli ingranaggi perfetti. La scena d'apertura teorizza sulla fortuna che può o non può assisterti nei momenti decisivi della vita, come quella che può far cadere la pallina da tennis che sbatte contro la rete da una parte o dall'altra del campo. E' la fortuna a determinare spesso i destini degli esseri umani, questo è il messaggio che Allen inserisce in suo questo riuscitissimo film londinese. Ottime a mio parere le intrepretazioni di Jonathan Rhys-Meyers (Chris) e della lanciatissima Scarlett Johansson (Nola).

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di Matteo Bursi, 16 gennaio 2006.

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"ASCIUTTO E RIUSCITO" - "Match Point" di Woody Allen è un film asciutto e spietato, il cui scopo è analizzare le negatività non solo della società ma anche dell'uomo. Parla di successo e di ipocrisia, di destino e di falsità. Molto interessante la metafora tennistica: una pallina che rimbalza sul nastro della rete può ritornare indietro o finire nel campo avversario, è solo questione di fortuna, la stessa fortuna che condiziona fortemente la vita umana (un altro argomento fondamentale trattato dalla pellicola). In prima analisi il film può essere diviso in due parti: la prima in cui è raccontata l'ascesa sociale del protagonista (J. Rhys-Meyers) e la sua doppia vita è un pò troppo dilungata e quasi ripetitiva, la seconda parte è al contrario inattesa e davvero bella. La regia di Allen non da spazio a estetismi inutili, essa è anzi asciutta, fredda, come sottolinea le assenza quasi totale della colonna sonora (ad eccezione di alcuni pezzi di musica lirica). Ottime le interpretazioni su cui spicca la sempre più brava Scarlett Johansson. E' un film pessimista, che ha indubbiamente il grande pregio di far riflettere, nonostante abbia l'apparenza di una storia banale. Tuttavia questo atteggiamento negativo non sempre è ben giustificato e tralaltro risulta un pò ridondante. In definitiva comunque "Match Point" è un film riuscito che trova la sua forza nell' indiscutibile attualità e verità dei suoi temi.

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di Salvatore Scarpato, 18 gennaio 2006.

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"BUON WOODY senza WOODY" - Woody Allen senza Woody Allen. Tra Dostoevsky e Hitchcock 'rimbalza' il Match Point. Sceneggiatura fine come la Royal Opera House e il Tate Modern,ritmo costante e una tensione che cresce nella giusta combinazione tra ambiente e narrazione,il migliore Woody Allen senza Woody Allen. Una lotta di classe esistenziale supportata da recitazioni senza sbaffatura,colonna sonora operistica da La Traviata a Il Rigoletto,dialoghi sicuramente da gustare nella versione originale. Come la pallina da tennis in bilico sopra la rete,sprofondiamo sui versanti del campo tra giudizi morali e sensi di colpa. Assolutamente da vedere.

di Alessio Novarelli, 21 gennaio 2006.

MARY (di Abel Ferrara, 2005)

2009-04-19T11:12:00.003+02:00

"BUIO MA NON TROPPO" - Quanto può essere forte il bisogno di fede di un individuo? Parte da questa premessa l’ultimo film di Abel Ferrara, gran premio della giuria alla 62esima Mostra di Venezia. Le storie di un regista che gira un film scandalo sulla vita di Gesù, dell’attrice che impersona Maria Maddalena, e di un famoso anchorman televisivo, sono il pretesto per un saggio-inchiesta sui molteplici modi di rapportarsi a Dio e alla religione, dove però le emozioni contano molto più dei concetti e delle teorie. Il cinismo del regista, l’indifferenza del giornalista, il turbamento emotivo dell’attrice sono solo l’abbrivio per un cammino verso la fede non privo di ostacoli, dove ognuno dei protagonisti attraverserà un personale percorso di dolore per approdare ad una faticosa salvezza. Spezzoni del film nel film alternati ad interventi di autentici esperti di questioni religiose, ardite libertà di montaggio, carrellate fulminee, ossessivi inserti sonori che squarciano il silenzio: l’anarchia formale riflette perfettamente il caos e la confusione dei tempi moderni, uno stile convulso e ipnotico che procede per accumulo di idee e immagini, affrancandosi da qualsiasi rigida struttura narrativa. Il nuovo Ferrara è passato per film assai discutibili (Blackout), o completamente fallimentari (New Rose Hotel), prima di ottenere il risultato che si era prefissato, e sequenze come quelle degli attacchi dei fondamentalisti, o quella in cui Forest Whitaker, analogamente all’Harvey Keitel del Cattivo Tenente, rivela tutta la propria umana fragilità in chiesa al cospetto di Dio, non si dimenticano facilmente.

Il buio, da sempre uno dei connotati stilistici preferiti dal regista, invade lo schermo sin dai titoli di testa, ma rispetto al passato c’è una maggiore serenità, l’attesa di una luce che illumini i percorsi esistenziali e dia un senso alle angosce dei personaggi. L’uomo che più di chiunque altro è andato a fondo nel descrivere l’abiezione umana, e nell’esplorazione del Male che ne governa le azioni, ci regala una possibilità di redenzione in un’opera complessa, inquieta, e imbevuta di autentica passione e commozione.

(½)

di Giulio Ragni, 21 novembre 2005.

MANDERLAY (di Lars von Trier, 2005)

2009-04-19T11:10:00.001+02:00

"vonTrier IMPRESSIONA ANCORA" - Secondo capitolo della trilogia sull'America, "Manderlay" segna il ritorno di Lars von Trier e di Grace, la protagonista di "Dogville" con la differenza che ad interpretarla ora è Bryce Dallas Howard (che abbiamo conosciuto con lo splendido "The Village" di M. Night Shyamalan) che sostituisce Nicole Kidman. Dopo l'abbandono shock di Dogville, il clan di Grace e Grace stessa si mettono in viaggio per l'America. Giungono a Manderlay, un piccolo paese dell'Alabama. Qui è ancora in vigore la schiavitù ma la donna ha tutte le intenzioni di cambiare le cose; riuscirci risulterà però molto complicato… Se la mancanza delle scenografia, già vista in "Dogville" non colpisce lo spettatore; il film colpisce eccome! Ancora una volta infatti von Trier conferma la sua genialità e sin dall'inizio si rimane impressionati dalla sua intelligenza e acutezza nell'analisi della società. I dialoghi sono davvero magnifici ma soprattutto fanno pensare. La narrazione del regista olandese è spietata ed estremamente malinconica della realtà umana, ma altrettanto realistica. Grace è mossa da ideali positivi e sinceramente genuini, però forse è impossibile cambiare le cancrene della società; anche quando le sembra di fare passi avanti nei suoi scopi, si ritrova con nuovi problemi ancora più difficili da sormontare. Manderlay è una città che rappresenta benissimo l'America profonda, in cui molti pregiudizi sono ancora da estirpare; le fondamenta di questa città si basano su una suddivisione psicologica, tanto triste quanto inquietante. E' possibile rompere le catene del potere? E' possibile uscire dagli schemi mentali che l'uomo stesso si è imposto? Queste sono solo due delle infinite domande che Lars von Trier presenta agli spettatori, mettendone in discussione ideologie e pregiudizi.

Come "Dogville", anche "Manderlay" è un film da metabolizzare e che di certo non lascia indifferenti. Da vedere e da pensare.

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di Salvatore Scarpato, 8 dicembre 2005.

MADAGASCAR (di Eric Darnell e Tom McGrath, 2005)

2009-04-19T11:07:00.002+02:00

"PIACEVOLE" - Da tempo Dreamworks e Pixar si sfidano a colpi di cartoon sempre più sofisticati tecnicamente, e che tendono a rivolgersi più agli adulti che non ai bambini. L’ultimo nato della factory di Spielberg è Madagascar, storia di quattro animali in fuga dallo zoo di New York, che si ritrovano nella sopracitata isola africana pronti a riscoprire l’istinto selvaggio sopito da troppi agi e comodità. Il film è divertente e ben ritmato, specialmente nella prima parte, e se i protagonisti principali sono il leone e la zebra, spettano alla giraffa Melman le battute più riuscite; ci sono un’overdose di citazioni (da New York New York a Cast Away) e alcuni personaggi di contorno sono azzeccati, come i pinguini cattivissimi. Peccato che nella seconda parte il film ceda a qualche melensaggine tipicamente disneyana che affievolisce la sana, ironica cattiveria della pellicola: in definitiva un cartoon piacevole e rilassante, tale da far dimenticare anche l’ambigua morale di fondo, secondo cui gli animali sarebbero più felici serviti e riveriti allo zoo, che non liberi nel loro habitat naturale.

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di Giulio Ragni, 26 ottobre 2005

LA TIGRE E LA NEVE (di Roberto Benigni, 2005)

2009-04-19T11:04:00.003+02:00

"PIATTO" - Dopo il successo de "La vita è bella" e il flop di "Pinocchio", Roberto Benigni prova con "La tigre e la neve" a ritrovare gli equilibri del film che gli valse tre Oscar, questa volta ambientando le vicende nella recente guerra in Iraq. Il protagonista della storia è un poeta, Attilio (Benigni), padre di due figlie. Il suo amore profondo verso Vittoria (Braschi), lo porta in Iraq in piena guerra dove la donna si trova in stato di coma a causa di un incidente bellicoso. Qui trova un collega, Fuad (Reno); i due nonostante l' amicizia che li lega, hanno opinioni contrastanti se non opposte sull'esistenza umana. Da questo momento Attilio si impegnerà nel salvare la vita della donna amata. "La tigre e la neve" è un film non riuscito in cui Benigni, nonostante il tentativo, non riesce a ripetere gli schemi de "La vita è bella" e realizza una pellicola superficiale e incongruente. Il tentativo di realizzare un film sulla poesia, di per se interessante, sfocia in realtà in citazioni fini a se stesse e del tutto prive di profondità o di interesse letterario e cinematografico. Il film non è e non crea poesia, semplicemente la cita. Le vicende narrate da Benigni, inoltre, sono del tutto prive di congruenza e di sensibilità nel loro svilupparsi. La mancanza di sensibilità, ancor più accentuata dall'atteggiamento egocentrico se non egoista del regista/protagonista, sta nel rappresentare una guerra moderna e piena di contraddizioni, senza porre alcuna attenzione su coloro che questa guerra l'hanno vissuta in maniera drammatica. Se l'espediente del gioco ne "La vita è bella", poteva in parte giustificare alcuni atteggiamenti semplicistici, qui l'artifizio del "poeta disattento" non funziona ed anzi alla lunga diventa inaccettabile. In generale, inoltre, la storia non coinvolge e gli spunti comici piazzati qua e là non solo sanno di già visto ma soprattutto non divertono. I due protagonisti, piuttosto piatti nelle loro psicologie, sono poco interessanti e difficilmente si prova empatia per loro. Anche la figura di Fuad, che a priori poteva essere molto interessante nella sua visione pessimistica della vita, è in realtà una delle meno riuscite a causa del profondo strato di superficialità che circonda tutto il film. Anche le recitazioni, se si esclude lo stesso Benigni (che del resto interpreta "se stesso"), non sono convincenti e Jean Reno sembra essere, in più di una circostanza, fuori ruolo. Deludente anche la colonna sonora di Nicola Piovani, che così come il regista, ha cercato di avvicinarsi il più possibile allo score con il quale vinse l'Oscar, ma anche in questo caso ne esce fuori qualcosa di già sentito. "La tigre è la neve" è dunque un film che non convince in nessun aspetto, forse sarebbe preferibile che un personaggio dall'inequivocabile carisma come Benigni, uscisse da quell'alone dorato di grandezza che lo circonda, per ritrovare uno spunto, magari anche meno impegnativo, che potrebbe rilanciarlo.

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di Salvatore Scarpato, 23 ottobre 2005.

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"DICHIARAZIONE d'AMORE" - Un lungo viaggio da Roma a una Baghdad in guerra nella viva speranza di poter aiutare a guarire la moglie morente. E' un amore straripante, devastante, vincente quello che Benigni - uomo, attore e personaggio - canta in questo suo nuovo film. E' amore, è continua fiducia e speranza in quell'amore, è fiducia che quell'amore possa vincere tutto, ogni cosa, anche la più brutta. Che sia un conflitto, una malattia o uno sterminio, affrontandola col sorriso, con la gioia, l'entusiasmo, l'allegria e anche un po' di ingenuità, la serenità è più vicina. Una favola, d'accordo, ma allo stesso tempo una reale e benefica rivalutazione di quella magnifica cosa che è il Sorriso. Citazioni di Hikmet, brani di musiche diverse, poeti e animali in sogno: tutto per rendere più grande questa lunga, nuova, dichiarazione d'Amore alla Vita di Roberto Benigni. Si sorride, si ride, ci si commuove, si riflette. Straordinaria immagine è la testa di Attilio (Benigni), recluso in un campo di prigionia americano in Iraq, che scivola e s'accomoda sulla testa di un uomo arabo dai pochi denti e la barba di qualche giorno. Siamo tutti uguali. Ricchi e poveri, neri e bianchi, giovani e meno giovani. Non dovrebbe essere solo la guerra, il pericolo della morte, a ricordarlo. Benigni ci riesce regalando questo indimenticabile momento.

(½)

di Matteo Bursi, 3 novembre 2005.

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"FEL(L)IN(IAN)O" - Con altre leggi, senza ironia la sua firma è Benigni e questa volta lo segna con zampa fel(l)in(ian)a. Non si cerca di capire il perchè degli avvenimenti, rischiando di cadere in quell'abisso ipocrita ed ipocondriaco del giudizio ma lo si racconta, lo si narra come una preghiera, perchè non lo si desidera o perchè lo si fa sognando?

La tigre e la neve rivela e fa riemergere solo alla fine quel già di aspettato a metà della narrazione, con la stessa finta ingenuità fanciullesca.

E la poesia non c'entra? I film di Benigni non sono più poetici, di poesia ci si contorna solo la pellicola e quel nastro argenteo che colora di nominations, di poesia ci si tuffa solo descrivendo il protagonista Attilio con i suoi sogni d'amore, d'unione, di reciproco desiderio che richiama quel gusto da satyricon, nobile di interrompere il flusso di finta e (a volte si vorrebbe che fosse così), teatrale compassione nei confronti di un conflitto.

La poesia entra in ballo, ballando col suo stesso firmatario, non solo dentro il film ma anche nel suo farsi, nel suo fuori.

Come Attilio spiega ai suoi studenti il come (fare poesia, essere poeti o solamente-ed è poco?- essere ed esserlo-Poesia-), La tigre e la neve sono debitrici e profane di spiegarne,svelarne,sbiancarne il perchè, anche se questo era, in un primo tempo sentimento ed insieme significato appeso ad una corda, come un amico sentito e richiamato improvvisamente dall'istinto di repressione (anche artistica se la si comprende), ed insegu(ì)to e portato, come dallo stesso vento d'inquadrature, rinchiuso in una gabbia o nuvola di ... che solo Vittoria alla fine poteva incontrare.

Un film-continuazione che aspetta anche la nuova stagione e Storia cinematografica piena di ironia, "buon"senso e gusto cinico ma "benignano".

di Denise Spinelli, 5 dicembre 2005.

LA SPOSA CADAVERE (di Tim Burton, 2005)

2009-04-18T19:16:00.004+02:00

"DELIZIA INCOMPLETA" - L'estro creativo di Tim Burton, già quest'anno autore di uno dei film più belli della stagione: "La fabbrica di cioccolato", delizia ancora gli spettatori con "La sposa cadavere", utilizzando la tecnica dello stop motion, già impiegata dal regista californiano in "Nightmare before Christmas". Victor e Vittoria (voci originali: J. Depp e E. Watson), due giovani provenienti da famiglie di ceto opposto, sono costretti dai genitori, ad unirsi in un matrimonio vantaggioso per le rispettive famiglie. Tra i due si accende subito la scintilla dell'amore, ma le difficoltà di Victor nel memorizzare la formula nuziale, ritardano la cerimonia. Sarà proprio durante una prova che il giovane poggerà la fede nuziale sulla radice di un albero, ma in realtà si tratta del braccio della Sposa Cadavere (voce originale: H.Bonham-Carter), con la quale si ritrova legato in matrimonio. Esteticamente "La sposa cadavere" lascia stupefatto anche il regista più smaliziato. In effetti con questo film, Burton dimostra di aver migliorato la tecnica dello stop motion e di averla portata a livelli sopraffini. L'effetto straordinario delle luci sugli oggetti, le movenze e soprattutto la gestualità dei piccoli pupazzi protagonisti, raggiungono un livello prossimo alla perfezione. Straordinaria ed intelligente è l'idea alla base del film: il mondo dei vivi rappresentato in antitesi con quello dei morti. Ma al contrario dell'immaginario comune, è proprio il mondo sotterraneo dei defunti ad essere colorato, emozionante e "pieno di vita"; sulla terra, invece, i viventi trascorrono le loro grigie giornate nella più assoluta noia e monotonia. Tratto da una fiaba popolare russa, il racconto di per se affascinante, manca in qualcosa, ed è forse l'eccessiva brevità della pellicola che in se mette parecchia carne al fuoco, a non consentire ai registi (T. Burton e M.Johnson) di "completare" quello che è un film delizioso ma appunto incompleto. Manca infatti quel livello di definizione dei personaggi e soprattutto dei rapporti fra essi, che invece era meglio sviluppato ne "La fabbrica di cioccolato". In effetti è in generale che quest'opera può considerarsi inferiore rispetto a "Charlie and the chocolate factory" in cui l'ironia, la profondità dei temi e l'emotività portavano a parlare quasi di capolavoro.

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di Salvatore Scarpato, 31 ottobre 2005.

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"COLORE VIVO" - Il mondo dei vivi è spento, il mondo dei morti è acceso. Il mondo dei morti è talmente vivo da travolgere di vita il mondo dei vivi. Questo è il significato dell'ultima, meravigliosa, opera di Tim Burton. Un film d'animazione frutto di anni e anni di duro lavoro al perfezionamento della stop motion, tecnica affascinante e molto cara al visionario e sognante regista di Burbank. La Sposa Cadavere man mano che la pellicola avanza è sempre più bella. (Personaggio e film). Nel sotterraneo e allegro mondo dei morti si torna a cantare quasi come in un vecchio cartoon disneyano. E' la vita, la passione, l'allegria che Burton infonde nella popolazione del mondo sotterraneo la vera anima del film che lo riempie di un incantevole colore vivo.

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di Matteo Bursi, 30 novembre 2005.

L'ARCO (di Kim Ki-Duk, 2005)

2009-04-18T19:11:00.002+02:00

"POESIA FOLGORANTE" - Un bellissimo film, intenso, sincero e soprattutto poetico. Ancora una volta il grande regista coreano kim-ki-duk, già autore dei bellissimi "ferro 3" e "la samaritana", ci colpisce al cuore, ma non con le parole dei protagonisti, bensì attraverso delle bellissime immagini. Il film, presentato all' ultimo festival di cannes nella sezione un certain regard, racconta l' amore di un vecchio pescatore per una giovane donna, reclusa fin da bambina nel suo barcone. Ed è proprio grazie allo strumento emblematico del film, l' arco, che scaglia frecce d' amore e di morte allo stesso tempo, che il vecchio esprime tutto il suo amore per la ragazza; a volte lo usa come uno strumento musicale da cui escono dolci note, a volte lo trasforma in un'arma micidiale, pronta a scacciare le insidie degli uomini che provano a mettere le mani sulla ragazza. Il sogno del pescatore di sposare la ragazza si infrange quando il vecchio non può e non riesce a scacciare l 'ultima vera insidia: quella del primo amore. Lo ripeto, kim-ki-duk è un autore straordinario e riesce ad esprimere con le immagini quelle emozioni inesprimibili a parole. I due protagonisti, il pescatore interpretato da jeong jeons-hwang e la ragazza dalla giovane han yeo-reum, danno il meglio di sè e le loro espressioni sono folgoranti come sono folgoranti le frecce scagliate dal vecchio pescatore innamorato.

di Federica Serfilippi, 23 novembre 2005.

LA MARCIA DEI PINGUINI (di Luc Jacquet, 2005)

2009-04-18T19:09:00.001+02:00

"ON THE ROCKS" - Meritato Jacquet. Documentario "on the rocks" sul ciclo vita del magnifico pinguino imperatore nel deserto antartico. La marcia dei pinguini raccoglie un meritato e sicuro successo,per un prodotto che resta in sospeso tra documentario e film,con la voce trasformista fuori campo di un caparbio Fiorello che tenta di alleviare i toni di un impresa drammatica e romantica che si compie al terzo giorno di ogni anno. Poesia e tenerezza s'alternano nel tentativo di relazione e trasmissione di se stessi nell'apocalittico scenario,noi stiamo a guardare idealizzando.

di Alessio Novarelli, 24 novembre 2005.

LA FABBRICA DI CIOCCOLATO (di Tim Burton, 2005)

2009-04-18T19:06:00.001+02:00

"GIOIELLO & OSCURO" - Esistono pochi registi in grado di proiettare lo spettatore in un universo magico e fiabesco, ed uno di questi è senz’altro Tim Burton. Anche quando, come in questo caso, la materia da cui il regista attinge non è un parto esclusivo della sua fantasia, Burton riesce a trasformarlo in qualcosa di assolutamente personale: così se l’originale era una zuccherosa favola per bambini, ora diventa un’esplorazione del lato oscuro dell’ennesimo freak nato da un’artista mai conciliato nel mondo in cui vive. Dopo un inizio narrativamente un po’ farraginoso, con alcune lungaggini di troppo – come il racconto delle gesta del giovane Willy Wonka – la storia prende letteralmente il volo con l’entrata in scena di Wonka/Johnny Depp: pelle bianchissima, vestito in maniera assurda con grossi occhiali e cappello, l’anfitrione della magica fabbrica elimina uno dopo l’altro tutti i bambini e i loro insopportabili genitori, con l’aiuto degli spassosi Oompa Loompa, a cui spettano gli esilaranti numeri musicali di accompagnamento.

Come il mostruoso pinguino di Batman il ritorno, come il detective da incubo di Sleepy Hollow, i comportamenti del protagonista hanno origine da un trauma infantile, costretto ad indossare un terrificante apparecchio per i denti dal padre dentista; fa dunque capolino l’eterna storia di emarginazione e solitudine del diverso, che rappresenta il vero cuore poetico di tutti i film del regista, che non rinuncia anche ad altri leitmotiv (come la neve) assolutamente caratteristici della sua filmografia. Il film si chiude con un happy end come nell’originale, ma l’abbraccio tra padre e figlio, con annesso rumore dello strofinarsi dei guanti e dei vestiti di latex, è un gioiello insieme di humour nero e romanticismo struggente.

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di Giulio Ragni, 26 ottobre 2005.

LADY VENDETTA (di Park Chan-Wook, 2005)

2009-04-18T19:05:00.001+02:00

"INTENSO" - Questione di stile. Ingiustamente snobbato dalla giuria all’ultima Mostra di Venezia, Lady Vendetta è la conferma che, più che nelle storie che si raccontano, è nella maniera di raccontare, che si gioca la sfida determinante per il linguaggio cinematografico; e di stile il regista coreano Park Chan –Wook ne ha da vendere.

Capitolo conclusivo di un’ideale trilogia sulla vendetta dopo Mr.Vendetta (recuperatelo assolutamente in DVD) e Old Boy, anche in Lady Vendetta a dominare sono segreti insopprimibili e nemesi ancestrali, seppure tutto sommato in modo meno truculento di quanto ci si potesse aspettare, forse perché stavolta il regista ha adottato un punto di vista femminile. La “dolce” Guem-Ja, analogamente al Taesu di Old Boy, deve affrontare un lungo percorso di prigionia, prima di veder soddisfatta la propria sete di vendetta nei confronti di un professore, che l’ha costretta ad assumersi la responsabilità di un omicidio. Dei tre film Lady Vendetta è il più formalista, in un certo senso il più tarantiniano, dove la trama eccessivamente scarnificata è un pretesto per un grande contenitore barocco e iperrealista, in cui il regista si diverte a mescolare efferatezze e humour nerissimo. Ma rivela un’abilità compositiva nelle immagini che non ha eguali, in cui tutti gli elementi, dal taglio delle inquadrature agli angoli di ripresa deformati, dalle splendide musiche al vertiginoso montaggio, concorrono alla perfezione estetica della pellicola. Il climax del film è nell’intensissima, insostenibile sequenza della vendetta collettiva, dove il regista sembra cercare la complicità giustizialista dello spettatore, salvo poi prenderlo di nuovo in contropiede (emblematica in tal senso la scena dello spuntino notturno): ciò che differenzia Guem-Ja dai predecessori è una pallida redenzione che sem-bra far capolino nell’allegorica sequenza finale, laddove in passato un destino funesto accoglieva nel suo abbraccio vittime e carnefici, egualmente peccatori e dannati.

(½)

di Giulio Ragni, 22 gennaio 2006.

LADY HENDERSON PRESENTA (di Stephen Frears, 2005)

2009-04-18T19:03:00.001+02:00

"INTERMITTENTE" - La shakesperiana Judy Dench e un impagabile Bob Hoskins duettano deliziosamente in una sceneggiatura fluida, rubano la scena e caratterizzano stereotipando gli azzeccati personaggi di contorno. Regia di mestiere per Stephen Frears,che si destreggia egreggiamente nella realizzazione di un film classico,che mescola realismo documentario e messinscena teatrale. Sicuramente la seconda parte del film,non ha la stessa vitalità della prima; ironia da teatro e dramma sbalzano a intermittenza. Da vedere.

di Alessio Novarelli, 16 gennaio 2006.

LA BESTIA NEL CUORE (di Cristina Comencini, 2005)

2009-04-18T19:01:00.002+02:00

"SENSIBILIZZANTE" - Cosa può esserci al limite della sensibilità umana?

Cristina Comencini dal titolo sembra confermarci un ossimoro, dove solo la sensibilità può rispondere. Film eccellente, con narrazione incalzante dall' inizio alla fine, attimi di umorismo o quello che si potrebbe meglio definire come un "comicismo", debitore di atti interpretativi puntuali firmati dall'angelo Finocchiaro. Non esiste umorismo, neanche comicità. Non ci si prende in giro, ma si ruotano fili di un discorso e di aspetti umani che si sfiorano senza aggredirsi. Il sentirsi non vedente in un ambiente artistico, musicalmente concepito come nucleo in cui ruota tutto l'essere, e forse con la E maiuscola, come un non-sentirsi parte di un ricordo celato da maschere familiari, abusi di psiche cadaverica, porta, come affermerebbe Nietzche ad essere moralisti in un contesto che necessita immoralità.

Ed è questo che tocca: un miraggio di inquadrature che spaziano nei labirinti sensibili e sensibilizzati dell'atmosfera come dell'animo umano. E se non è di cuore che si sta parlando, è di e con la consapevolezza che, intorno a quelle immagini la speranza di una notte di capodanno, si possa rendere luminosità a quella giustizia divina che si cela intorno ad esso, seppur sognato accecato ed illusorio come può essere una racconto cinematografico dai respiri a volte disincantati ed altre avvolto da un rigore carnalmente, ma alcuni lo definirebbero tecnicamente "bestiale". A voi il limite.

di Denise Spinelli, 27 ottobre 2005.

KING KONG (di Peter Jackson, 2005)

2009-04-18T18:57:00.003+02:00

"IMPRESSIONANTE ANCHE SE ALLUNGATO" - King Kong di Peter Jackson (remake del film omonimo del 1933) è un' opera colossale, per impegno economico (oltre 200 milioni di dollari il budget stimato), per scenografie, per effetti speciali. Il regista neozelandese uscito trionfalmente dalla trilogia del Signore degli Anelli che gli ha dato fama e Oscar a valanga ha voluto fare le cose in grande per coinvolgere ed emozionare gli spettatori dall'inizio alla fine della pellicola. Di qui la scelta, purtroppo discutibile, di portare a 3 ore la lunghezza del film che nella sua forma originale ne prevedeva una sola. Infatti il desiderio palese di Jackson di impressionare gli spettatori si manifesta in sequenze che nonostante un indiscutibile valenza tecnica e registica, risultano poco significative e del tutto eliminabili. Se però si esclude questo difetto seppur importante, il film è di indiscutibile valore cinematografico, soprattutto dal punto di vista tecnico. Un esempio è costituito da Kong, realizzato in maniera mirabile, anche se i suoi comportamenti rischiano in alcuni momenti di farlo assomigliare a un uomo piuttosto che ad un animale selvaggio. Tuttavia nella maggior parte dei casi la sua figura è del tutto riuscita. Altrettanto non si può dire di alcuni personaggi secondari che appesantiscono inutilmente di dialoghi la storia. Merita un appunto anche la regia di Peter Jackson, anche in questo caso infatti la sua tendenza alla spettacolarità e alla magnificenza risulta essere in alcuni punti (fortunatamente pochi) ridondante e decisamente autocompiaciuta. Inattaccabili invece gli effetti speciali che rimandano nella loro particolarità a quelli "primitivi" che avevano caratterizzato la pellicola del 1933. Inutile sprecare commenti sulla colonna sonora di James Newton Howard che praticamente accompagna tutti i minuti del film. Nonostante il poco tempo avuto a disposizione per realizzare l'intero score (appena poche settimane prima l'uscita nelle sale, il compositore sarebbe dovuto essere Shore, poi licenziato da Jackson per "differenti visoni creative"), Howard è riuscito a creare momenti di tensione per le scene di azione, ma ha dato il suo meglio nei pezzi più intimi e riflessivi, quando il pianoforte diventa protagonista, raggiungendo un livello di poeticità unico. Degno di nota la conclusione del film che però ancora una volta nel tentativo di essere particolarmente struggente finisce per sembrare leggermente forzata. "King Kong" è comunque un film apprezzabile e un infinito piacere per gli occhi.

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di Salvatore Scarpato, 5 gennaio 2006.

I SEGRETI DI BROKEBACK MOUNTAIN (di Ang Lee, 2005)

2009-04-18T18:55:00.002+02:00

"MELODRAMMA" - Sgombriamo subito il campo dagli equivoci: I segreti di Brokeback Mountain non è un film western e non è un film sui gay. Non è un western perché non basta inanellare una serie di paesaggi da cartolina o filmare un pascolo per potersi un film definire tale. In secondo luogo la pellicola travalica la tematica gay, evitando accuratamente le trappole del film a tesi, senza dare giudizi pro o contro la causa omosessuale.

Il film è invero un melò convenzionale ma ben girato, che ha il suo punto di forza nelle interpretazioni degli attori. Se Jake Gyllenhall è oltremodo credibile nel mostrare il passaggio da un’attrazione sessuale ad un innamoramento vero e proprio, Heath Ledger, con un personaggio sempre più ombroso, scostante, dal tono di voce sempre più basso, divorato dal demone della solitudine e dalle cicatrici del passato, ci regala una interpretazione da Oscar. Ang Lee da par suo sciorina una serie di quadretti familiari efficaci e a tratti grotteschi, puntando sul lirismo della fotografia e qualche passaggio narrativo – come l’inevitabile tragedia finale – convincente nella sua sobrietà. Il pregio più evidente del film è la capacità di raccontare una storia d’amore fra uomini come se fosse una coppia “normale”, senza pregiudizi e stereotipi, con gli stilemi classici del cinema americano (ma Oliver Stone aveva già aperto la via nell’assai sottovalutato Alexander). Paradossalmente però, questo si rivela anche il suo limite. Un dubbio infatti assale alla fine della proiezione: se i protagonisti fossero stati un uomo e una donna, ci sarebbe stata tutta questa considerazione?

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di Giulio Ragni, 30 gennaio 2006.

IN HER SHOES (di Curtis Hanson, 2005)

2009-04-18T18:54:00.001+02:00

"BEN CURATO" - La commedia che non ti aspetti! "In her shoes" è la classica conferma di come gli americani siano insuperabili nel costruire commedie brillanti. La storia, quella dell'eterno ed inevitabile conflitto tra sorelle, è in sé piuttosto banale e prevedibile, ma ha il merito di essere sorretta da una lunga serie di battute imprevedibili e divertenti, a volte quasi da applauso. La regia di Curtis Hanson è ben curata ed il film ha un buon ritmo e le tre protagoniste (Cameron Diaz, la sorella scapestrata, Tony Collette, la sorella complessata, e Shirley MacClaine, la nonna uscita fuori dal nulla) offrono un'ottima performance che evita di far scivolare nel cliché i personaggi da loro interpretati. Insomma, per un film poco pubblicizzato e, sulla carta, non molto originale, non ci si può proprio lamentare. "Nei vostri panni" andrei a vederlo! [dall'anteprima nazionale a Roma del 7/10]

di Luca Balsamo, 8 novembre 2005.

IL NOSTRO PANE QUOTIDIANO (di Nikolaus Geyrhalter, 2005)

2009-04-18T18:53:00.002+02:00

Un connubio tra un documentario ed un film, un "Eco - Film", come molti lo hanno chiamato, una forte denuncia contro chi non vuol far mai vedere al comune cittadino i "dietro le quinte" di un mondo che sta cambiando. Il numero delle bocche da sfamare è sempre maggiore, la richesta di cibo dunque sempre più alta. L'uomo si è ingegnato al meglio per poterci accontentare tutti oppure è solo una questione di lucro?

La domanda è d'obbligo già dopo pochi minuti di visione poichè ciò che si vede è tristezza, una sconcertante silenziosa tristezza: posti in cui la morte, lo sporco, il rumore delle macchine, alienano le menti, luoghi in cui animali e uomini seguono il battere del tempo che la macchina gli impone.

La ripresa è sempre fissa su un punto, come non ci fosse telecamera e non ci sono suoni se non quelli naturali di ciò che viene ripreso; si sentono a volte le voci degli operai nelle mense o qualche grugnito, qualche muggito.

I colori splendidi dei campi, della frutta e della verdura, inquadrature grandiose, impeccabili che ci regala Geyrhalter, fanno da sfondo a colori grigio acciaio, emissioni di concimi, rumori assordanti : l'assenza della musica rende tutto il quadro ancora più drammatico e maledettamente reale.

La realtà è molto peggio dei film, questo lo sentiamo dire spesso, ciò che qui viene mostrato lo conferma.

Giudizio: (legenda).

di Claudia Costanza. 21 settembre 2007.

I FRATELLI GRIMM E L'INCANTEVOLE STREGA (di Terry Gilliam, 2005)

2009-04-18T18:50:00.002+02:00

"CONTAMINANTE GILLIAM" - Irriverente Gilliam. Mirabolante avventura che attraversa un po' tutte le favole,passando da Cenerentola a cappuccetto rosso sino ad Hansel e Gretel,con un tocco di humour inglese tipico del cinema dei Monty Python. Contaminante Gilliam, artefice visionario di 'Brazil',che mescola sullo sfondo Napoleonico ben delineato, fantasy stile Harry Potter, commedia, horror, superstizioni, storie d'amore. Matt Damon e Heath Ledger reggono bene ma il vero collante è l'istrionico Peter Stormare, le finte formule magiche dei fratelli finiscono per scontrarsi con la strega Monica Bellucci, fantasia e realtà nell'inesorabile scontro del cinema firmato Terry Gilliam.

di Alessio Novarelli, 18 novembre 2005.

HARRY POTTER E IL CALICE DI FUOCO (di Mike Newell, 2005)

2009-04-18T16:14:00.005+02:00

"CUPO-ADOLESCENZIALE" - Gotico. Altro capitolo della saga del maghetto con gli occhiali portato sul grande schermo in un nuovo anno nella prestigiosa scuola di magia e stregoneria di Hogwarts. In questo episodio l’istituto accoglie tra le proprie mura i partecipanti del “Torneo tre maghi” a cui prenderà parte anche Harry in via del tutto straordinaria. E’ cambiato inoltre il professore di difesa contro le arti oscure che cercherà di aiutare il protagonista nelle 3 difficili prove della competizione a cui si aggiungono anche varie difficoltà che sorgeranno tra lui e l’amico Ron. È tempo inoltre dei primi turbamenti per i 3 protagonisti che vivono la loro adolescenza tra litigi con gli amici, la difficoltà di trovare una ragazza da invitare al ballo della scuola e le piccole

incomprensioni con se stessi. Harry alla fine darà prova di altruismo e coraggio salvando il compagno in un attimo di disinteresse verso la coppa del torneo che proietterà poi entrambi in un macabro cimitero ai piedi della lapide del padre di tu-sai-chi (la cui statua ricorda il mietitore di anime). L’oscuro signore (un mostruosamente bravo Ralph Fiennes) tornerà finalmente a prendere corpo grazie ad un incantesimo, ucciderà Cedric e duellerà assieme a Harry ancora una volta salvato dai propri genitori che gli consentiranno quindi di riattraversare la passaporta. Il regista, l’inglese Mike Newell, si trova qui a suo agio nel delineare un Harry Potter come ragazzino normale. Da al film una tonalità fatta di atmosfere cupe (già forse accennate nel film precedente) e gotiche che sfociano, in certe scene, nell’horror con sguardi paurosamente assenti, sangue che scorre, fantasmi e intrighi vari. La lunghezza del film non annoia né si fa sentire ed è anzi presente quella continuità con i precedenti episodi che non diventa banalità della quale si parla di solito quando si nomina la parola sequel. Spettacolari gli innumerevoli effetti speciali usati in questo film, per esempio il combattimento con il drago che si arrampica sui tetti, il torneo di Quiddich e il nebbioso labirinto con le pareti semovibili. Certo è che i Potteriani più fedeli al testo steso da J. K. Rowling avranno qualcosa da ridire per i numerosi tagli a certe parti più o meno importanti e alle variazioni rispetto al libro che migliorano o peggiorano la qualità del prodotto finale.

di Boris Fietta, 6 dicembre 2005.

GOOD NIGHT AND GOOD LUCK (di George Clooney, 2005)

2009-04-18T16:10:00.003+02:00

"LIBERAL" - Era dai tempi di Tutti gli uomini del Presidente che il cinema americano non affrontava in maniera così diretta il tema del giornalismo responsabile: Goodnight and good luck, seconda prova registica di George Clooney, si candida sin da ora ad essere uno dei film più importanti dell’anno. All’ultima Mostra di Venezia ha incantato tutti con il suo stile sobrio ed asciutto, l’impegno civile di chiara impronta liberal, le interpretazioni magistrali di tutto il cast. Attraverso la storia del giornalista Edward Murrow – un grandissimo David Strathairn – che per primo denunciò gli abusi del senatore McCarthy, Clooney ci regala un film prezioso ma anche raro, perché in netta controtendenza rispetto a molte pellicole usa e getta dei nostri tempi. Un film che dalla durata (appena 90 minuti), alla colonna sonora jazzata, alla fotografia in bianco e nero, sembra già un classico, fuori dal tempo e dalle mode. E quella che nel finale superficialmente sembra essere la solita denuncia della tv cattiva maestra, in realtà è proprio un inno alla televisione come strumento di libertà e democrazia, quando ben utilizzato: come a dire, la colpa non è del mezzo in sé, ma di chi la fa (male). In definitiva, un film che dovrebbero vedere tutti, specialmente i nostri giornalisti che da tempo hanno dimenticato cosa significhi avere la responsabilità di informare e formare l’opinione pubblica.

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di Giulio Ragni, 22 ottobre 2005.

FLIGHTPLAN (di Robert Schwentke, 2005)

2009-04-18T16:08:00.001+02:00

"MACCHINOSO" - Dopo l'11 settembre, l'argomento del volo in aereo è diventato indubbiamente scottante e ricco di spunti drammatici. Anche "Flightplan" con la brava J.Foster, prova a trattare questo tema.

Berlino. Kyle (Foster) è una madre che da poco ha perso il marito, morto in seguito a una caduta. Dopo il decesso, Kyle vuole dare al marito una sepoltura in terra americana, dove egli è originario; ma durante il volo per gli states sua figlia di 6 anni scompare misteriosamente, comincerà allora una difficile ricerca. Ben presto si scopre che il nome della bambina non è registrato e a bordo nessuno sembra credere alla donna. "Flightplan" così come molti thriller degli ultimi anni, si presenta come un film interessante, con un prologo, non eccezionale ma di sicuro impatto.

Purtroppo però il vincolo forzato dell'aereo, comincia a farsi sentire anche sulle vicende che restano tutto sommato piatte e prive di momenti alti. Inoltre non è presente neanche quella sensazione claustrofobica che certamente la contestualizzazione poteva portare. Un tema importante trattato dal film è il razzismo che provano i passeggeri nei confronti di due passeggeri a bordo. Purtoppo però anche questo argomento è trattato in maniera superficiale e in alcun modo interessante. Il grande difetto del film, è l'eccessiva macchinosità nella spiegazione del mistero, un difetto che rende le vicende inverosimili e poco credibili. Tutto sommato comunque il film riesce a coinvolgere e può inserirsi in quel filone di thriller di qualità media che Holliwood sforna con una certa continuità.

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di Salvatore Scarpato, 19 novembre 2005.

ELIZABETHTOWN (di Cameron Crowe, 2005)

2009-04-18T16:06:00.002+02:00

"[un po'] TROPPO LUNGO" - Alterno Crowe. Cameron Crowe l'alterno talento del regista, un tempo critico musicale della rivista Rolling Stone,viene confermato dalla realizzazione di Elizabethtown un 'on the road' agrodolce accompagnato da una colonna sonora di tutto rispetto. L'autore del completo e ottimamente ben riuscito Almost Famous ci propone un disperato Orlando Bloom alle prese con fallimenti lavorativi,la morte inaspettata del padre e l'incontro con la stravagante Kirsten Dunst. Scorre bene,anche se il film forse è un po' troppo lungo,tanti (forse troppi) i temi trattati,spicca però l'analisi del figlio che dopo aver perso il padre,impara a conoscerlo.

di Alessio Novarelli, 22 novembre 2005.

DOMINO (di Tony Scott, 2005)

2009-04-18T16:03:00.001+02:00

Il film è liberamente ispirato alla vita di Domino Harvey,un’ex modella che un giorno decide di abbandonare vizi ed eccessi per dedicarsi al mestiere di cacciatrice di taglie assieme ad una banda di uomini più o meno in regola con la legge (Mickey Rourke e Edgar Ramirez). Le avventure di questa stravagante combriccola vengono mostrate allo spettatore come ricordi della protagonista (Keira Knightley) che dialoga con una detective (Lucy Liu). La prima metà del film risulta coinvolgente ed appassionante e fa quasi venire voglia allo spettatore di andare subito a scoprire il finale (un po’ come quando si legge un giallo e si ha la tentazione di sfogliare gli ultimi capitoli alla ricerca del colpevole e del movente) ma in realtà se mandassimo la pellicola al capitolo finale non capiremmo nulla perché nel corso del film tutto è ribaltato e rimesso in discussione.
Ecco il motivo per cui continuamente sono rivalutati gli eventi passati per correggerli in una sorta di ralenti all’incontrario. Questa caratteristica poteva facilmente rappresentare il punto di forza del film perché lo spettatore,così come il lettore di un giallo,in genere è attratto da tutto ciò che fa crollare le iniziali certezza,dando uno stimolo alla continuazione della visione/lettura. Ma di fatto questo “trucco” è ripetuto un numero eccessivo di volte tanto che ad un certo punto del racconto si stenta a seguirne la cronologia degli eventi. Un peccato aver costretto tante apparizioni importanti in ruoli patetici e ristretti,in primis quella di Christopher Walken, ma anche la scelta della stessa Keira risulta sbagliata,decisamente monoespressiva e inadatta al ruolo della bad-girl.
L’epilogo poi è fin troppo scontato e probabilmente assai lontano dalla realtà degli eventi della vera storia. Diciamo piuttosto che Tony Scott si è divertito a farcirla con fette di diversi generi cinematografici che vanno dall’ horror all’action-movie,passando attraverso l’erotico e il drammatico,il tutto cosparso da una colonna sonora onnipresente. Come la stessa Domino/Keira afferma nel finale:
“Se ora vi chiedete che cosa del mio racconto è vero e che cosa no,lasciate perdere.Non ve lo dirò mai!”
Giudizio: (legenda).
di Pamela Garbin. 2 Ottobre 2007.

CRASH - CONTATTO FISICO (di Paul Haggis, 2005)

2009-04-18T14:43:00.002+02:00

"NON-LASCIA-INDIFFERENTI" - Dopo aver sceneggiato lo straordinario "Million dollar baby" di Eastwood; Haggis esordisce alla regia con il suo primo lungometraggio cinematografico: "Crash". Un film indipendente, costato poco più di 6 milioni di dollari. Raccontare la vicenda dei personaggi è molto complicato e riduttivo; ad ogni modo il film narra le vita di semplici uomini e donne di Los Angeles che alla fine sono destinate a scontrarsi. Di qui il titolo "Crash". L'opera di Haggis è splendida. I personaggi, tutti raccontati in maniera incredibilmente intelligente, non possono lasciare indifferenti; la loro profondità e complessità introspettiva li rende affascinati e reali. Non c'è un eroe e non c'è un anti-eroe. Ogni individuo non è bianco e non è nero, ed è così che sono i protagonisti della pellicola. Inutile sottolineare la bellissima sceneggiatura di un maestro come Haggis che avevamo conosciuto con il capolavoro di Eastwood: "Million dollar baby". Niente è lasciato al caso; ogni evento apparentemente irrilevante può diventare determinante, ogni azione avrà una reazione. La grandezza di questo film sta anche nel modo straordinario in cui le vicende si intersecano tra loro, dando allo spettatore l'impressione di seguirne una soltanto. La capacità di scavare nella vita delle persone in maniera così semplice ma straordinariamente efficace, lascia a bocca aperta. Anche la regia di Haggis, forse un pò sopra le righe (il che non deve rappresentare necessariamente un difetto) riesce a far immedesimare lo spettatore sin

dai bellissimi titoli di testa. "Crash" è un film che infatti riesce a coinvolgere ma soprattutto a far pensare; cosa importante dato che sono trattati temi scottanti come il razzismo e le paure del dopo 11 settembre. Unico difetto, la ridondanza con cui è raccontata la prima parte, ma ben presto il livello della pellicola si eleva su livelli altissimi. Non c'è ottimismo nè pessimismo; ma analisi delle cose. Tutti possono cambiare, in meglio o in peggio. Tutto ciò che è appare, inganna, così che lo spettatore si trova di fronte a personaggi che crede di conoscere ma che in realtà nascondono una propria complessa realtà, una realtà descritta in maniera essenziale ma splendida. Molto belle le musiche di accompagnamento e solide le interpretazioni.. "Crash" è un film stupendo che potrebbe anche dire la sua nella notte degli oscar.

Giudizio: (legenda).

di Salvatore Scarpato. 19 Novembre 2005.

CHICKEN LITTLE (di Mark Didnal, 2005)

2009-04-18T14:41:00.001+02:00

"SENZA PRETESE" - Dopo il mediocre "Mucche alla riscossa", anche la Disney ha detto addio alla tecnica 2D e il battesimo della terza dimensione arriva con "Chicken Little". Vittima di uno sfortunato incidente, Chicken Little, un piccolo pulcino, crede che il cielo stia cadendo; preso per matto dall'intera comunità animalesca, Chicken si ritrova abbandonato soprattutto dalla fiducia del padre. Qualche tempo dopo però il pulcino si prenderà una bella rivincita. Questo film conferma il momento no della Disney che negli ultimi anni sembra davvero in crisi se si eccettua il divertente ed interessante "Le follie dell'imperatore". Questo è infatti un film modaiolo che non da alcuna importanza all'intelligenza dello spettatore (anche quella di un bambino a cui è evidentemente indirizzata la pellicola), cercando invece di ammaliarlo con citazioni o autocitazioni e con canzoni celebri ed orecchiabili. E' un film soprattutto senza profondità e senza pretese se non l'incasso. Sono lontani i tempi dei grandi film Disney come "La bella e la bestia" o "La Sirenetta", o i classici del passato, che stimolavano molto di più l'intelletto anche di un bambino. Anche la morale che ovviamente ci aspettiamo tutti della casa Disney è abbozzata superficialmente. Le scene sono montate freneticamente come se il regista avesse voluto girare un video-clip di 90 minuti piuttosto che un film (aspetto sottolineato anche dalla sovrabbondanza di musiche). Mancano i dialoghi, manca l'emozione e manca la fantasia; tutte qualità che i film Disney avevano. Siamo lontani anni-luce dalla qualità dei film Pixar e tutto sommato anche i cartoni Dreamworks gli sono superiori.

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di Salvatore Scarpato, 8 dicembre 2005.

BROKEN FLOWERS (di Jim Jarmusch, 2005)

2009-04-18T14:40:00.003+02:00

"COMMEDIA PREGIATA" - Sin dagli esordi, il cinema di Jim Jarmusch ha trovato nella forma breve, in uno stile rapsodico e frammentario, in un minimalismo di sapore quasi zen, la propria cifra espressiva. La notizia è che per questa sua ultima fatica, il regista ha messo la propria estetica di filmaker underground al servizio dell’attore Bill Murray, firmando il suo film più accessibile ed universale, tanto lineare nello svolgimento del plot, quanto denso di echi e rifrazioni, lasciando allo spettatore spunti di riflessione immersi in un’ironica, compassata leggerezza. Murray è un single cinquantenne di nome Don Johnston, ricco e annoiato dalla vita, che scopre attraverso una lettera misteriosa di avere un figlio di diciannove anni. Il ritmo sonnacchioso – specie nella prima parte – sottolinea l’inerzia del protagonista in maniera impeccabile, con inquadrature statiche tenute sempre un attimo più del necessario, che evidenziano la solitudine e il vuoto emotivo del protagonista. Lo sguardo del regista è affettuoso nei confronti del personaggio, e Murray, con i suoi silenzi e le sue espressioni attonite e imbarazzate, sono il quid aggiuntivo ad una storia di per sé non particolarmente originale, che oltretutto sembra essere la dominante di questa stagione cinematografica, ovvero la scoperta della paternità come motivo di conoscenza di sé.

Jarmusch attua uno spostamento semantico di quello che è un suo cavallo di battaglia, l’incontro tra culture diverse, che in questa commedia diventa incontro tra tempi diversi: passato e presente si confrontano nel momento in cui Don decide di partire alla ricerca della verità, sprofondando in situazioni via via sempre più imbarazzanti e assurde con le sue ex amanti. L’abilità del regista è di lasciare in sottotraccia i mutamenti del presente: lutti, sentimenti repressi, radicali cambiamenti di vita degli antichi amori (tutte bravissime le attrici) sono appena sussurrate, e questo, rispetto a un cinema odierno che sembra non riuscire a fare a meno di mettere tutto in evidenza, è senz’altro un pregio. Questi cambiamenti stridono rispetto alla vita di Don che è rimasta sempre uguale, e da qui nasce il sorriso, ma è un sorriso amaro; non si muore dal ridere, come strillano i flani pubblicitari, è un sorriso che nasconde una smorfia di dolore, un sussulto dell’anima che può pesare come un macigno: la corsa finale di Don è l’indizio del mutamento avvenuto anche in lui, che prelude ad un epilogo che è sospeso solo per lo spettatore, ma (forse) illuminante per il protagonista.

Un simbolismo ora efficace nella sua concretezza (i fiori che appassiscono a casa di Don), ora divertente anche – o proprio per – la sua facilità (il protagonista che guarda il Don Giovanni, la figlia intraprendente della sua ex che si chiama Lolita) confermano una volta in più le due facce di questa commedia, che in ogni caso non potrebbe esistere senza Murray e il suo mood recitativo, ormai musa incontrastata di tutto il cinema indipendente americano.

(½)

di Giulio Ragni, 11 dicembre 2005.

A HISTORY OF VIOLENCE (di David Cronenberg, 2005)

2009-04-18T14:38:00.002+02:00

"PERTURBANTE" - Tom (Viggo Mortensen), un uomo mite con moglie e figli, diventa improvvisamente un eroe per i media dopo aver sventato una rapina nel suo locale. Ma non tutto è come sembra... Della trama è meglio non raccontare altro, perché con un regista come Cronenberg le soluzioni più scontate sono sempre evitate; così, quello che superficialmente sembra l’ennesimo thriller hollywoodiano, in realtà è un film sottile come il filo di un rasoio, scolpito con uno stile vibrante e feroce.
Sin dal piano-sequenza iniziale, il regista canadese carica il film di un’atmosfera perturbante, che rivela tutto l’orrore che si cela dietro un’apparente, banale normalità. Al centro del film c’è l’ossessivo tema cronenberghiano dell’identità con le sue trasformazioni; ma se in passato tali meccanismi venivano esteriorizzati attraverso le mutazioni del corpo, ora tutto è introflesso nel protagonista e nei suoi comportamenti. Molte sono le sequenze da antologia: quelle di violenza, secche e brutali, che non risparmiano alcuni dettagli pulp; le due scene erotiche, dove il sesso diventa strumento privilegiato per raccontare i rapporti di coppia tra Tom e la moglie, passando da un’intima complicità a una rabbiosa, istintiva sopraffazione; e un finale ricco di tensioni, tutto giocato sugli sguardi, i gesti e la musica di Howard Shore perfettamente intonata.
Le recitazioni sono tutte azzeccate, sia Viggo Mortensen e Maria Bello per la sobria intensità, sia Ed Harris e William Hurt per le grandiose caratterizzazioni dei killer. Cronenberg da par suo orchestra il tutto sapientemente, riuscendo addirittura in un paio di sequenze a mostrare un umorismo sardonico che smorza la tensione quasi insopportabile della pellicola. Dunque un film che è insieme odissea di un cambiamento interiore e parabola sull’orrore del quotidiano, ma anche metafora di un paese la cui paura nasce da un peccato originale di violenza e dolore: un’opera complessa e stratificata che è consigliabile come antidoto alla visione degli stucchevoli pamphlet a senso unico di un Von Trier qualsiasi. E l’immagine di Mortensen, sporco del sangue dei suoi nemici, con un ghigno dalla piega crudele stampata sul volto, è una di quelle che fanno grande e necessario il cinema.
Giudizio: (legenda).
di Giulio Ragni. 27 dicembre 2005.

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Un film misterioso, insondabile e inquietante. Brevissimo (un'ora e mezza), gelido, lucido.
Una storia semplice raccontata con occhio indifferente; ciò che davvero spaventa e sconvolge non è così la vicenda ma l'anima del protagonista. Tom Stall attraversa la sua storia con un'insensibilità disumanizzata, non ha reazioni emotive, né sensi di colpa; non prova apparentemente paura o rimorso. Nessuna emozione viene mostrata, né dall'interpretazione imperturbabile di Viggo Mortensen né dallo sguardo freddo, quasi assente, di Cronenberg. Tom Stall resta un mistero, tanto più inquietante perchè non sviscerato, non sviluppato, semplicemente contemplato a distanza.
Le persone che circondano Tom cercano cercano di ricondurre la sua identità all'interno di parametri comprensibili (la moglie e il figlio si arrabbiano, piangono...), lui è fuori da tutto questo.
Ha cambiato nome e vita ma ciò non ha prodotto in lui alcuna ferita. Ora si chiama Stall semplicemente perchè quel nome "era disponibile" ma il tornare alla luce della sua vecchia identità violenta non produce in lui alcuna crisi o senso di colpa.
In A History of Violence non c'è polemica sociale e non c'è il racconto del percorso di un uomo, in positivo o in negativo. C'è l'identità di un essere umano (forse non si può nemmeno parlare di "anima") che non risponde ad alcuna sollecitazione morale, emotiva, affettiva. Tra il Tom che consola la figlia dalla paura del buio e il Tom che uccide non c'è differenza. Il cuore spaventoso del film sta nel non esprimere alcun giudizio sul suo protagonista: è la psiche di un uomo malato che è stata messa in scena o semplicemente la psiche di un uomo? Quella totale indifferenza nei confronti della vita e del mondo può prodursi in chiunque? La violenza vissuta come fatto naturale, poco importante, può essere prerogativa di ogni uomo e di ogni donna?
Giudizio: (legenda).
di Valentina Alfonsi. 26 settembre 2007.

NON TI MUOVERE (di Sergio Castellitto, 2004)

2009-04-18T14:35:00.001+02:00

Fusione di amore, morte e poesia, ambiguità legittimata dalla forza dei sentimenti, tumulto di emozioni in un susseguirsi di flashback, colpi di scena e frasi spezzate, Non ti muovere di Sergio Castellitto è un’opera d’arte impenetrabile, che se da un lato rischia di non lasciarsi comprendere appieno vista la complessità e la profondità dei temi trattati, dall’altro è in grado di inchiodare alla poltrona uno spettatore più accorto, promettendogli man mano un graduale scioglimento dell’intreccio, fino alle scene finali in cui non rimane altro da fare se non guardarsi dentro e cercare l’anima di Timoteo, la dolcezza di Italia, la fragilità di Elsa. Un film per riflettere e, insieme, gustare lentamente la bravura degli attori, l’accuratezza della regia e l’efficacia delle colonne sonore.

Angela è sul punto di morire dopo un incidente in moto, ma Timoteo, neurochirurgo di estrema meticolosità, ancora non ha svelato a sua figlia il grande segreto che ha cambiato per sempre la sua vita. Inizia da qui il racconto, condotto non senza una certa confusione e nostalgia da parte di un Castellitto più toccante che mai, della relazione extraconiugale avuta tanti anni prima con una donna disperata, sporca, sgualcita, violentata e poi amata intensamente sopra ogni altra cosa, sopra le differenze sociali, culturali, economiche, sopra l’impossibilità di una relazione fuori dal mondo e fuori dal tempo, sopra l’improvvisa morte di Italia in seguito ad un aborto rischioso.

Non è vero che i morti vanno via Angela, sostiene Sergio Castellitto, i morti restano, restano nel cuore di chi li ha amati, restano nel ricordo, restano nelle lacrime, e né il tempo né gli altri potranno mai portarli via.

Bilancio di un’esistenza intrisa di grandi emozioni e grandi dolori, spietato racconto di un passato che non è mai davvero passato, ritratto condotto a cuore aperto da un uomo che solo esprime i dubbi e le ambiguità di mille altri uomini e di mille altre relazioni. Assurde, impossibili, struggenti, fatali, ma pur sempre storie d’amore, storie di vita, squarci di felicità talmente precari dal risultare impercettibili.

Non ti muovere, resta ferma dove sei, piccola donna fragile ed indifesa. Ti ama troppo per lasciarti andare.

Giudizio: (legenda).

di Emanuela Tascone. 3 Ottobre 2007.

MYSTERIOUS SKIN (di Gregg Araki, 2004)

2009-04-18T14:34:00.002+02:00

Vedere questo film una volta decisamente non basta per riuscire a coglierne tutti i volti. Tema centrale dell'opera sono le cose nascoste, le cose cattive. Nascostamente agli occhi della folla due bambini vengono molestati, si porteranno dentro quest'esperienza per tutta la vita, un' esperienza già traumatica di suo, viene tenuta dentro fino a che si è piccoli, anche perchè in parte non viene comprsa dagli occhi e dal cuore di un bambino. Ma la cosa peggiore è che, anche crescendo, ancora meno la si potrà esternare, perchè è male. Perchè siamo in una società in cui le persone vedono ma fingono di non vedere, sanno, ma fingono di non sapere. E quello che è già di suo, un trauma infantile, crescendo diventa una condanna. Una cosa che si è subita diventa una cosa di cui ci si deve vergognare. Neil, dopo la violenza subita, diventa Gay ed inizia a prostituirsi a tutti gli uomini che lo vogliano, nascostamente alla madre, che, per quanto bene gli voglia, è sempre stata abbastanza distante, ossessionata dalla voglia di una vita diversa, di un partner ideale. La forza e la sicurezza interiore di Neil derivano dal fatto che si sente diverso, i suoi amici lo stimano, lo adorano, ma lo temono allo stesso tempo. I due amici di infanzia che Neil si porta dietro fino alla maggiore età, un ragazzo e una ragazza, si innamorano entrambi di lui, del suo essere misterioso, lo vedono bellissimo, ma sanno anche tenerlo lontano per paura di immergersi in quella paura, quel buio, che lo circonda costantemente.

Anche Brian da piccolo è stato molestato, dalla stessa persona che ha coinvolto Neil, solo che questi aveva solo 6 anni e ha vissuto la cosa in modo completamente differente, per lui è stato qualcosa di così negativo che la sua testa ha deciso di rimuoverlo, creandosi intorno un mondo di bugie, per giustificare quegli strani sogni che lo accompagnano per tutta l' adolescenza. Sessualmente ibrido, non curante, passa i suoi giorni alla ricerca di un perchè cui riuscirà a rispondere solo quando alcuni eventi lo porteranno sempre più vicino a Neil, compagno delle elementari, compagno di baseball e, infine, compagno di un passato infilato nei meandri più nascosti della sua mente. Neil sa che cosa gli è successo, ricorda, vive in funzione di quello, Brian non ricorda, ma anch' egli, vive in funzione di quei due giorni in cui qualcosa è successo, qualcosa che lo ha sconvolto, come se un ufo lo avesse preso, portato via, e rimandato sulla terra dopo aver cancellato ogni ricordo dalla sua mente.

Un film crudo, mai estremo, ma sottile, vivo, materiale, in cui sono quasi assenti i colpi di scena ma tutto viene mostrato come un puzzle che, molto lentamente prende forma, rivelando, piano piano, la verità, che nel caso di entrambi i ragazzi sarà, probabilmente, la liberazione dai demoni che li hanno accompagnati fino a quel punto della loro esistenza. I bambini sono mondi fragili, a cui si può togliere il sorriso con molto poco, che si possono modellare in ogni modo, che perciò vanno ascoltati, vissuti, protetti, ma non afflitti. A Neil e Brian è stato tolto molto, ma nel momendo in cui comprendono, il loro arricchimento interiore sarà così grande, così denso, che da quell'adolescenza turbolenta ne usciranno due uomini più forti e consapevoli. Fatti come quelli che hanno vissuto non si potranno cancellare, ma, come tutto ciò che di negativo accade, si andranno ad unire a tutte le esperienze della vita, finalmente in modo chiaro, con una collocazione precisa ed un preciso significato.

Giudizio: (legenda).

di Claudia Costanza. 8 Aprile 2007.

LEMONY SNICKET (di Brad Silberling, 2004)

2009-04-18T14:32:00.002+02:00

Una favola incentrata sulle sventurate vicissitudini che colpiscono i tre fratelli Baudelaire, subito dopo la morte dei genitori, a causa di un misterioso incendio. I ragazzi vengono affidati nelle mani del loro Zio Olaf, il quale però più che ad accudirli con amore, tenta in tutti i modi di ucciderli per poter ereditare il patrimonio lasciato loro.

I ragazzi, ognuno dotato di un talento diverso (Violet, la più grande, è un portento nelle invenzioni, Klaus riesce a ricordarsi tutto ciò che legge e Sunny, la più piccola, morde tutto quello che le capita sotto i denti), criescono a salvarsi da ogni trappola tesa loro dal feroce Zio.

Nel complesso il film è mediocre, la storia poco emozionante, il tutto a fronte però di una meravigliosa fotografia ed una stupenda ambientazione. In un mondo simil gotico in cui i colori sono scuri e metallici, anche i colori chiari sono abbinati ad eventi o ambientazioni negative : ad esempio la casa di perversione teatrale dello Zio olaf, la malvagia luce accecante del fuoco che creerà tutti gli incendi, la luce della barca nella scena in cui i ragazzi vengono aggrediti dalle sanguisughe, luce che appare salvifica, ma che in realtà li porterà solo ad ulteriori guai.

Oltre che dei colori, il regista ha tenuto bassi tutti i toni del film, gli effetti speciali non sono usati in modo estremo ad esempio, ma molti film sono proprio tenuti in piedi a questi e, nel caso di questa pellicola, il vuoto di fondo forse sarebbe stato almeno parzialmente colmato con qualche colpo di scena in più.

Il dialogo non è molto curato, le battute sono abbastanza banali eccetto i voli pindarici letterali dello Zio, personaggio molto ben riuscito nel suo insieme, macchiato solamente dal fatto di essere troppo ripetitivo e quindi, col finire del film, abbastanza noioso.

Il film, nonostante tenti in tutti i modi di dissuadere chi lo vede dal proseguire nella sua visione (l'autore spesso, come terza voce, ammonisce l'ascoltatore a non proseguire oltre, poichè accadranno cose terribili), riesce ad essere positivo, educativo e divertente agli occhi di un bambino poichè il tema principale sembra essere il potere immenso che i fratelli, solo restando uniti, riescono a manifestare : non importa dove la sorte li porterà dopo la scomparsa dei loro genitori, ma che per tutta la vita saranno sempre uniti e che questa è la fortuna più grande che possa loro capitare.

Giudizio: ½ (legenda).

di Claudia Costanza, 12 febbraio 2007.

I GUARDIANI DELLA NOTTE (di Timur Bekmambetov, 2004)

2009-04-18T14:30:00.001+02:00

I Guardiani della notte è un film che non desta particolari emozioni se guardato superficialmente, ma la pellicola porta, al contrario a riflessioni profonde e stimolanti.
Il film, per chi non l'abbia visto, narra dell'eterna lotta tra bene e male, entrambi visti come due enormi schieramenti di guerrieri che si battono costantemente, senza tempo, per difendere il loro diritto di esistenza come unica unità spirituale, come verità, allo scopo di dirigere le fila delle vite degli essere umani. Nel tempo in cui si svolge la narrazione sta per risolversi l'ultima battaglia tra le due fazioni, per decidere, infine, quale trionferà sull'altra. Il regista è molto acuto nel descriverci i suoi personaggi, poichè non tratteggia mai i buoni totalmente puri, nè i cattivi totalmente privi di sentimenti. Il messaggio che alla fine porta Bekmambetov è che nè male, nè bene, presi singolarmente, hanno un senso, poichè sono uno in funzione dell'altro, se non esistesse l'uno, non esisterebbe nemmeno l'altro. Quello che ha suscitato in me è come noi esseri umani spesso non accettiamo dentro di noi un tale dualismo e come, di conseguenza, giudichiamo gli altri facenti parti dell'una o dell'altra fazione. Non riusciamo a capire insomma che l'essere umano, in quanto tale è, e sempre sarà combattuto dentro di sè, perchè così deve essere, per avere sempre stimoli nuovi per la propria crescita interiore, i quali provengono da esperienze buone o cattive, da pensieri ed azioni buoni e cattivi. Con questo non vanno giustificati gli atti malvagi che vengono compiuti ogni giorno, però dovrebbero essere maggiormente compresi dal punto di vista umano, ci meraviglieremmo un pò meno di quello che ci circonda, ci disilluderemmo un pò di più e soprattutto conosceremmo ed accetteremmo molto di più noi stessi. Non tutto il male porta sempre al male e non c'è nemmeno la certezza che fare del bene porti sempre a qualcosa di positivo.

Claudia Costanza, 7 dicembre 2006.

FAHRENHEIT 9/11 (di Michael Moore, 2004)

2009-04-18T14:27:00.001+02:00

In Roger & me si era appassionatamente occupato della rovina del suo paese natale, Flint, ad opera, a suo dire, della General Motors. In The awful truth aveva denunciato le prevaricazioni delle grandi società di affari statunitensi e con Bowling for Columbine, che gli valse l’Oscar, mise a fuoco la situazione dell’industria delle armi.Fahrenheit 9/11, di cui è già stato annunciato il seguito per il prossimo anno, si colloca in questa trafila come il film che condensa tutti i principali obiettivi del regista: la povertà, le armi, la grande industria. E naturalmente quello che da qualche anno è il suo bersaglio numero uno, il Berlusconi oltreoceano, George W. Bush. Già con il libro Stupid white man, “dedicato” al Presidente, Moore aveva reso chiare le sue intenzioni, e oggi pare più che mai deciso a continuare a perseguire il suo obiettivo. E poco conta (per lui) che, come dice Moretti, il Berlusconi abbia vinto comunque. Il valore di Moore è quello della denuncia.

Viene da chiedersi come mai, dopo un documentario-shock o quasi, la reazione dell’America sia stata quella di rieleggere il Presidente che, a detta di Moore, hacheated, imbrogliato. Un altro broglio, forse? Chissà. Quello che è certo è che nel 2004 Cannes è a stento riuscita a contenere la folla ammassata per assistere alla prima del film, che l’Europa ha valutato positivamente, essendo forse in posizione privilegiata per analizzare con maggior distacco le vive contraddizioni di un Paese come l’America.

Le definizioni di “film” o “documentario”, comunque, non paiono adeguate per una pellicola come questa: un “film” è per definizione fonte di una sceneggiatura inventata, un “documentario” dovrebbe essere neutrale e non dichiaratamente di parte come è quello di Moore. In ogni caso, ha avuto in parte l’effetto sperato. Chi altro avrebbe parlato, se non all’America, che di mezzi di denuncia non manca affatto, all’Europa, dei numerosi retroscena della guerra in Iraq? Retroscena che comunque erano in parte risaputi – per cui il documentario è stato solo un “mezzo” shock – ma che era opportuno mettere in luce, e Moore l’ha fatto con grande sapienza registica (anni e anni di esperienza) e ironia talvolta pungente. E, naturalmente, una morale pacifista di fondo: tutte le guerre sono intraprese per sostenere il potere della classe dominante, ma chi le fa è sempre la feccia della società. Dal regista del video Boom! dei System of a Dawn non potevamo aspettarci altro.

Da un punto di vista esclusivamente cinematografico, il film si sviluppa in maniera scorrevole e coerente, benché nella prima ora inciampi un po’ sulle situazioni economiche e finanziarie dell’America, esposte in modo chiaro ma comunque poco comprensibile ai totalmente digiuni di giochi in borsa. Splendida, anche se un po’ troppo marcata, la seconda parte, non a caso dedicata quasi completamente a un minuzioso e dolente documentario sugli effetti disastrosi di una guerra condotta contro i civili. Il “film” di Moore non lascia spazio alle risposte della parte avversa, e sostiene la propria tesi e i propri valori con sicurezza quasi giornalistica.

Come recita il titolo di uno dei libri del regista, will they ever trust us again?Purtroppo, temo proprio di sì.

Giudizio: (legenda).

di Chiara Palladino, maggio 2007.

LA RAGAZZA CON L'ORECCHINO DI PERLA (di Peter Webber, 2003)

2009-04-16T10:37:00.005+02:00

E’ del 2003 e racconta la storia di una giovane serva che fa da modella al maestro d’arte Jan Vermeer. Il film segna il riuscito esordio nel mondo cinematografico di Peter Webber,che nel 2006 ha diretto “Hannibal Lecter:le origini del male”. Le scene iniziali del film ritraggono la vita brulicante nella bella Delft, la Venezia olandese, intorno all’anno 1665, quando si presuppone sia stato dipinto il quadro di Veermer.

Griet (Scarlett Johansson), giovane fanciulla di umili origini e religione protestante, a causa delle ristrettezze economiche nelle quali si trova la sua famiglia, è costretta a prendere servizio nella casa del famoso pittore Jan Vermeer (Colin Firth). La numerosa famiglia del maestro,rigidamente cattolica,è formata da una folta prole in aumento, oltre alla moglie Catharina e alla suocera Maria Thins; tuttavia il tenore di vita è decoroso grazie alla magnanimità dei mecenati che commissionano tele all’artista. Griet si occupa di diverse mansioni nella casa, finché un giorno viene notata dal pittore che decide di affidarle le pulizie quotidiane all’interno del suo studio dove nessuno può entrare. La giovane gestisce meticolosamente tutti gli oggetti, avendo cura di pu-lire senza spostare nulla che possa compromettere la realizzazione del quadro in corso. Intanto si abitua a scoprire l’universo dell’artista fatto di luci,colori e modi di osservare le cose di cui prima non si era reso conto. Suo malgrado,entra anche lei progressivamente in questo mondo.

Vermeer, avendo notato la sensibilità della ragazza e la partecipazione con cui affronta i suoi compiti quotidiani cercando di dare un significato alle cose che osserva,la coinvolge sempre più nella sua attività fino ad affidarle il delicato compito di formare i colori. Lei passa sempre più il tempo nello studio dove il maestro dipinge e in molti cominciano a domandarsi cosa avvenga davvero dietro quella porta. Intanto,dopo aver terminato la tela commissionata da un personaggio alquanto viscido, Van Ruijven( Tom Wilkinson), Vermeer è rimasto senza commissioni,ma,ispirato dalla presenza della ragazza,inizia a farle un ritratto. La suocera,che più di tutti ha a cuore le sorti economiche della famiglia,non si rassegna a che il genero resti senza lavoro,così organizza un incontro con Van Ruijven dal quale esce una nuova commessa di due quadri,uno corale e un altro particolare.

L’uomo,che ha messo gli occhi sulla ragazza,vuole una tela che lo ritragga assieme a lei,ma Vermeer impone le sue condizioni:nel quadro apparirà esclusivamente lei. La moglie, ingelosita dell’attenzioni del marito verso la ragazza,non sa nulla di questo secondo quadro e nemmeno della complicità di sua madre che ha assecondato il desiderio del pittore di concedere che Griet indossi gli orecchini di perla della figlia purchè questi esegua il dipinto. Quando il quadro sta per essere terminato Catharina,messa al corrente dei sotterfugi alle sue spalle,irrompe nello studio. Dopo la scenata Griet viene allontanata dalla casa. Un giorno, la donna di servizio della famiglia Vermeer rintraccia la giovane e le recapita un involucro contenente gli orecchini di perla. La pellicola ha avuto 3 nominations agli Oscar per la fotografia,scenografia e i costumi,ma non si è aggiudicata nessuna statuetta.

Giudizio: (legenda).

di Sara Memmi. 27 novembre 2007.

LAUREL CANYON (di Lisa Cholodenko, 2002)

2009-04-16T10:35:00.001+02:00

“Secondo me sei dotata di grande istinto”. “Credo di si”.
“Beh lo saprai quando una cosa non ti piace e quando invece ti eccita, no?!”
Questo dialogo tra la McDormand e la Beckinsale è il perfetto riassunto di ciò di cui Laurel Canyon ci parla e di ciò che Laurel Canyon ci lascia. Chi può dirci cos’è giusto e cos’è sbagliato ? Quando è il momento giusto per fermarsi prima che sia troppo tardi? E le tentazioni esistono per resistervi o per cedervi? Questo ci si chiede a Laurel Canyon. Questo si domandano un figlio, una madre, una fidanzata, un amante e una collega di lavoro.
Sam (Bale), neolaureato ad Harvard, si trasferisce con Alex (Beckinsale), la fidanzata troppo pulita e troppo perfetta, a casa della madre Jane (McDormand) che vive lì con Ian, nuovo fidanzato e cantante del gruppo a cui sta producendo un disco. Jane è la dimostrazione che la triade sesso droga e rock and roll non ha età e ciò ha attratto il giovane neo-fidanzato che, prima inconsapevolmente poi con malizia e accondiscendenza è riuscito a scuotere la vita della tranquilla Alex stimolandole un interesse assopitosi nel rapporto con Sam. Ma al quadrato si aggiunge il quinto vertice, Sara (N.McElhone), una collega di Sam che si innamora di lui. Come ci si comporta quando non è la nostra testa ad avere il controllo , ma sono la nostra pelle e lo stomaco a prendere il sopravvento? Chi ci insegna a stabilire il limite?
LAUREL CANYON è un piacevole interrogarsi su questi temi e un esempio di come a volte non sia la risposta la cosa più importante. Certo è che alla fine di questa storia qualcuno sarà cambiato. La scena in auto tra Bale e la McElhone vale da sola tutto il film, splendido a mio parere per la bravura di tutto il cast e della regia semplice e diretta. Rimane anche una delle canzoni originali del film, “Shade & Honey” (A. Nivola – L.Barlow).

Valentina Gaetani, 1 dicembre 2006.

LA 25A ORA (di Spike Lee, 2002)

2009-04-16T10:33:00.002+02:00

"IL GIORNO PIU' LUNGO..." - Benedetto il giorno in cui Spike Lee ha conosciuto questa storia e ha deciso di raccontarcela modificandola per noi, adattandola a quello che il 2001 ci ha lasciato, la nuova New York.

E benedetto il giorno in cui, scegliendo il suo meraviglioso cast, ci ha fatto conoscere Monty grazie alla faccia da bravo ragazzo di Edward Norton. Monty e le sue ultime 24 ore di libertà, Monty e i suoi rimpianti, perché quando la 25a ora scatterà Monty non sarà più padrone della sua vita. Sarà nella cella che lo accoglierà per i prossimi sette anni, perché Monty è uno spacciatore e qualcuno lo ha incastrato, forse uno dei suoi, o forse proprio la sua bella fidanzata (R.Dawson) che ama, ma della quale non sa più fidarsi.

Ha un ultimo giorno per salutare suo padre (B.Cox) che farebbe di tutto per lui, anche aiutarlo a scappare in un ipotetico happy-end e i suoi amici, gli unici due amici che abbia mai avuto(P. Seymour Hoffman e B. Pepper) che lo biasimano sì, ma non potrebbero mai abbandonarlo.

Nemmeno alla fine quando Monty chiede a Francis (Pepper) quell’ultimo favore così difficile da accettare. Vuole una faccia massacrata, perché ha paura ad entrare lì dentro con la sua così pulita. In quei pugni ci sono la rabbia e la disperazione di Monty per non essere riuscito a dire basta nel momento giusto , la paura per quel futuro che non conosce, ma soprattutto il senso di colpa di Francis che nonostante il grande legame tra loro sa di non aver fatto nulla per impedire che tutto ciò continuasse.

Questa è la scena memorabile del film: un cane legato a una panchina e tre amici che condividono un patto di sangue e lacrime. Una storia semplice raccontata con maestria, recitata con spessore.

Giudizio: ½ (legenda).

di Valentina Gaetani. 4 Novembre 2007.

BOWLING A COLUMBINE (di Michael Moore, 2002)

2009-04-16T10:32:00.001+02:00

Presentato al festival di Cannes 2002 e vincitore del premio Oscar come miglior documentario, “Bowling a Colombine” è una pellicola che possiede tutti gli ideali del cinema di Moore. Il film si presuppone di contestare la politica della “liberalizzazione” delle armi negli USA, partendo dal tragico evento della sparatoria alla Columbine High School nel 1999.

Con il solito stile ironico e pungente Moore infatti critica violentemente la facilità con la quale si possono reperire armi in America e al contempo il clima di tensione e paura che si respira negli States prima e dopo l’11 settembre 2001. Egli ci fa notare come negli ultimi anni si sia effettuata una vera e propria opera di propaganda politica basata sulla paura della gente. Paura di un nemico invisibile che diventa paura del proprio vicino di casa. E allora tutti si rinchiudono in casa ed immancabilmente possiedono un’arma da fuoco. Tutto questo per giustificare l’assurda guerra in Iraq promossa da Bush che ovviamente non ha altri fini se non quelli economici. La forza di “Bowling a Colombine” sta nel fatto che al contrario di “Fahrenheit 9/11”, Moore non si concentra nel criticare Bush o il partito repubblicano; ma grazie ad una prospettiva molto più ampia fa una analisi di tutto il sistema americano e dell’assurdità di alcune situazioni.

Da sottolineare due momenti in particolare, in primo luogo il racconto della storia americana attraverso il geniale utilizzo di uno spezzone animato; in secondo luogo merita un plauso la fine del film, davvero toccante e commovente. Tragicamente, destino ha voluto che la tragedia di Columbine si sia ripetuta lo scorso aprile 2007 al campus di Virginia Tech; anche per questo il documentario di Moore è un film da conservare nella memoria collettiva. Colpisce il cuore, lo stomaco e la mente: “Bowling a Colombine” è un’opera eccezionale che, a qualsiasi partito si appartenga, deve far riflettere.

Giudizio: (legenda).

di Salvatore Scarpato. Maggio 2007.